Es difícil pensar en la música de los últimos 30 años sin pensar en el tenor italiano Andrea Bocelli. Actuando en todo el mundo, Bocelli se ha convertido en un nombre muy conocido por sus baladas, sus duetos, la dedicación a su familia y su presencia en el escenario en cualquier idioma: inglés, francés, italiano, etc., por nombrar sólo algunos.

P: ¿Qué es lo que siempre le hace volver a actuar, qué emociones siente sobre el escenario?

– Después de 30 años de carrera, lo que me lleva a pasar la mayor parte del tiempo viajando al extranjero, bajando de un vuelo y subiendo al siguiente, es el sentimiento real de gratitud. Es aún más convincente si se tiene en cuenta que, por naturaleza, soy una persona hogareña, que se resiste a abandonar su entorno inmediato. Simplemente creo que la mejor manera de dar una muestra concreta de gratitud a quienes tienen la amabilidad y la paciencia de seguir mi trabajo con afecto es precisamente conocerlos en persona y llegar a ellos dondequiera que estén.

En el escenario, a pesar de que hay mucha gente, siento una especie de cercanía con los miembros del público. Siento hacia ellos -repito- una profunda gratitud porque han permitido que mi voz forme parte de los temas de sus vidas. Es una especie de química que se siente entre el escenario y el público… Juntos intentamos perseguir la belleza a través del arte, y a través del misterioso poder de la música recibimos, a cambio, una saludable descarga de energía. Debido a esta intensidad de emociones, las actuaciones en directo nunca, ni remotamente, podrán ser sustituidas por un ordenador.

P: Actualmente está de gira. ¿Qué les deparará a los seguidores de su música? ¿Hay algo en concreto que deban tener en cuenta?

– El programa está realmente lleno de emoción. La estructura es la que siempre sigo: Una primera parte dedicada a las piezas operísticas más conocidas y queridas y una segunda parte con baladas populares. Pero la sucesión, bajo la dirección de mi amigo Steven Mercurio, es definitivamente amplia y diversificada. La gira es posible gracias a nuestros maravillosos invitados, que enriquecerán la experiencia del concierto.

Tendré a mi lado a un invitado especial: Zucchero, uno de los músicos italianos más aclamados en todo el mundo, cantautor autor de numerosas obras maestras del pop de los últimos treinta años. Nuestros caminos se cruzaron en 1992, cuando él ya era famoso y yo un desconocido tenor y pianista. Él buscaba una voz nueva para grabar una maqueta de su nueva canción, “Miserere”, que luego interpretaría con Pavarotti. El gran Luciano escuchó la grabación y tuvo palabras muy generosas para mí… Mi encuentro con Zucchero fue un fuerte empujón para lanzar mi carrera.

Será una gran alegría volver a compartir escenario con él y actuar con las espléndidas voces de la soprano Larisa Martínez y el barítono Edward Parks, y con la formidable artista pop Pia Toscano y la violinista Caroline Campbell. Será un viaje a través del tiempo, con obras maestras operísticas imperecederas de Verdi a Puccini, de Rossini a Bizet, pop y muchas canciones famosas italianas e internacionales.

P: Como alguien que canta en diferentes idiomas, ¿cómo es para usted esa experiencia?

– Es algo que me apasiona. Todavía hoy me resulta muy fascinante poder cantar en distintos idiomas y explorar la diversa musicalidad que posee cada lengua. Por supuesto, me encanta el italiano, la lengua de la ópera, la lengua de mis padres, con la que crecí y la que mejor conozco.

Sin embargo, muchos clásicos del pop y de los musicales de teatro se interpretan en inglés, y no podría imaginarlos en otro idioma, al igual que hay canciones que llevan décadas en mi repertorio que están en la lengua de la sensualidad y la musicalidad poderosas: el español. Y luego está el francés, que aprendí a un nivel más profundo para poder cantar algunas piezas operísticas, e incluso el napolitano, que no es un dialecto, sino que puede considerarse una lengua aparte.

“Todavía hoy me parece muy fascinante poder cantar en distintos idiomas y explorar la diversa musicalidad que posee cada lengua”.

Andrea Bocelli

P: ¿Qué momentos de su carrera ha destacado? ¿Hay algo que aún le gustaría hacer?

– A lo largo de mis 30 años de carrera, he actuado en todo el mundo, ante los escenarios más impresionantes, como el Coliseo, las Pirámides, el Kremlin y la Ciudad Prohibida, el Metropolitan de Nueva York y la Estatua de la Libertad. He participado en actos retransmitidos en visión mundial, a veces ante jefes de Estado y monarcas. Sin duda, fue especialmente emocionante para mí cantar ante nuestros últimos Papas reinantes: primero Juan Pablo II y Benedicto XVI, y después el Papa Francisco.

También fue un privilegio para mí haber actuado en varias ocasiones para la Reina Isabel y, más recientemente, para el Rey Carlos III. Como artista, espero seguir haciendo música y entrar en los corazones de quienes tengan la amabilidad de escuchar mi voz. Como individuo, aspiro a perseguir lo que es bueno, sin desfallecer, ofreciendo mi modesta contribución para dejar a mis hijos un mundo mejor.

P: He leído en alguna parte que su padre le dijo: “Tienes que darte a conocer en América porque allí te apreciarán de verdad”. ¿Cree que tenía razón?

– Los padres suelen tener premoniciones cuando se trata del bienestar de sus hijos. Es lo que le ocurrió a mi padre, que, aunque nunca había pisado Estados Unidos, creía firmemente que ese país sería el único lugar donde apreciarían de verdad mi talento.

Llegó a esta noción leyendo, en las noticias y por las historias contadas, lo visto a través del imaginario colectivo de los italianos. Esta nación siempre ha mirado al otro lado del océano como una tierra maravillosa de democracia y oportunidades. Esta certeza de mi padre, Sandro, se ha revelado como una profecía, nacida de la confianza que Estados Unidos se ha ganado sobre el terreno. Tanto es así que puedo decir que me siento como en casa en Estados Unidos.

P: Viaja por todo el mundo para llevar su música a la gente. ¿Qué espera que se lleve el público después de ver uno de sus espectáculos?

– La música es un lenguaje universal que considero terapéutico en todos los sentidos. La buena música, sobre todo, es un formidable instrumento de paz. Así espero que se perciba mi voz… El arte ablanda el espíritu y lo hace productivo. Cada vez que subo a un escenario, lo que más deseo es corresponder a los presentes con un momento de ternura, alegría y confianza. Mi esperanza siempre ha sido la misma: si los miembros del público vuelven a casa después de mi concierto un poco más serenos, con una sonrisa en la cara, entonces siento que he cumplido mi misión.



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Para hablar sobre lo que nos espera en la tercera temporada de “Slow Horses”, Saul Metzstein se sentó para profundizar un poco más en la historia, que incluye acción, personajes interesantes y una “comedia de oficina” de proporciones épicas.

P: ¿Qué le interesó de esta serie y cómo se involucró en la tercera temporada?

–He rodado muchas comedias y también mucha acción, lo que me convierte en un director un poco raro, y ésta parecía una buena opción para ese tipo de director un poco raro. Una vez que leí el material y comprendí que en el fondo era una comedia de oficina, supe cómo dirigirla. Esa es la respuesta conceptual… la respuesta literal es que ya había dirigido algo para uno de los ejecutivos cuando estaba en la BBC hace muchos años. Fui a ayudarle en otro (programa) de Apple TV+ llamado “The Essex Serpent”, y cuando pasé a ayudarle, me dijo: “Oh, tienes que venir a hacer mi serie de televisión”.

P: “Slow Horses” se basa en la serie de libros “Slough Horses”. Una vez que supo que estaba contratado para la tercera temporada, ¿cómo fue el proceso de adaptación?

–Leí el libro antes de ir a la reunión sobre él, así que tenía una idea de lo que era. Will Smith, el guionista (de la serie), es muy bueno adaptando esas cosas, y Mick Heron (el autor) se muestra muy relajado con la gente que adapta su material, lo que ha sido estupendo. Creo que mientras el tono funcionara, a Mick no le preocupaba.

Will Smith es muy bueno a la hora de encontrar el tono y la estructura de lo que hay, y además de eso, todo el mundo es muy positivo (con) contribuir y descubrir la forma en que querrías contar esa historia. No sé si es una respuesta a tu pregunta, pero fue un proceso muy lógico e indoloro, muy distinto de casi toda la televisión. Así que (nosotros) fuimos lógicos, analizamos el material y luego contribuimos sin preocuparnos por los egos. Fue extrañamente agradable.

“He rodado mucha comedia y también mucha acción, lo que me convierte en un director un poco raro, y esto parecía encajar bien con ese tipo de director un poco raro”.

—  Saul Metzstein, director

P: No, es una gran respuesta a la pregunta y también me alegra oírlo.

-Y una de las cosas es que, como tienen a un director para todo, dicen conscientemente “danos tu versión de cómo harías esto”. Creo que los personajes son muy fuertes y los actores son muy fuertes, y nunca se ha convertido en una cosa en la que de repente dices ¿esto es realmente “Slow Horses”? Creo que su esencia es lo suficientemente fuerte como para resistir a todo tipo de directores y sus decisiones acertadas o equivocadas.

P: ¿Qué puede adelantar al público que espera con impaciencia esta tercera temporada?

-Es divertida porque, en primer lugar, al principio es un despiste total en el que crees que estás viendo una cosa, (y) no es exactamente lo que pensabas que estabas viendo al encender el televisor. Y ese es un proceso agradable, y lo que es ligeramente diferente en este caso es que los Slow Horses se ven arrastrados a una intriga. Así que no son ellos haciendo su trabajo, es algo que les pasa a ellos. Entonces hay una pregunta constante sobre de qué lado está cada uno.

Es todo un laberinto argumental, y creo que hemos subido un poco la escala. Nos volvemos un poco más locos que antes, pero, de nuevo, creo que parte de la diversión de volver a la televisión es que tienes mucha buena voluntad hacia los personajes. Si la gente se molesta en ver la tercera temporada, es porque ya ha invertido diez horas de su vida en ella. Así que sientes la obligación de insistir, insistir y insistir. Esto es más grande, más ruidoso y creo que más divertido -o espero que más divertido-, pero es lo mismo.

P: Mencionó que ya había dirigido comedia y acción, ¿qué fue lo más divertido para usted de combinar ambas?

-En cierto modo, lo más divertido es hacer cosas divertidas, y hay un par de escenas que adoro. Es el placer de juntarlas en el montaje, por decirlo así, es un placer especial filmarlas y me refiero a especial en el sentido más amplio. Pero en términos reales, me gustan los personajes, me encantan las escenas entre River (Jack Lowden) y David Cartwright (Jonathan Price). Me encantan River y Louisa (Rosalind Eleazar) y todo eso. Creo que es divertido ver a estos simpáticos personajes con defectos que luchan por salir adelante… eso es lo que me conmueve de inmediato.

La acción es divertida porque se trata de cómo podemos hacer esto. ¿Qué podemos hacer? ¿Cómo podemos hacer que esto sea divertido y diferente y del tamaño y la escala que se merece? Es como la ingeniería pesada. No es un placer inmediato, pero disfruto viéndolo, todo esto son horrores logísticos. Pero tienes que abordar cada escena como si no quisieras que fuera eso que ya has visto antes o ese tipo de cosas en las que nunca has tenido suficiente tiempo o dinero; en esta sí. A todos los directores nos gusta ese tipo de cosas.

P: Hablando de personajes, mi última pregunta para ti -ya que la serie tiene tantos y tan buenos-: ¿qué arcos argumentales te ha gustado desarrollar en la tercera temporada de “Slow Horses”?

-De repente me di cuenta de quién era River, lo que me hizo sonreír. Me gusta el hecho de que River sea casi James Bond, pero no lo sea. Creo que es algo maravilloso: un personaje que está muy cerca de ser algo que no es, y tiene un problema, que es que no puede evitarlo. Es un defecto de carácter encantador: es el tipo que quiere ser James Bond, pero en realidad es Larry David de ‘Curb Your Enthusiasm’.

Y me encanta el tipo que interpreta a Hobbs, Chris Coghill, porque no está en el guión. Es un personaje totalmente creado por la pura fuerza de ser un gran actor, tener imaginación y correr con ella. Como esta serie tiene un núcleo fuerte, estos chicos pueden hacer eso y, de la mejor manera posible, intentar apoderarse de la serie, lo que me parece muy divertido”.

Puedes ver los dos primeros episodios de la tercera temporada de “Slow Horses” en Apple TV+. Los siguientes episodios se estrenarán cada miércoles.

Michael Green y Amber Noizumi, marido y mujer, se unieron por primera vez para co-crear, co-escribir, co-producir y co-dirigir la última serie de animación de Netflix, “Blue Eye Samurai”. La serie de ocho episodios de una hora de duración sigue la historia de venganza de su protagonista, Mizu, un maestro de la espada mestizo que vive una vida disfrazada durante el Periodo Edo en Japón. Y lo que se despliega en la pantalla es un proyecto apasionante lleno de emoción, acción y personajes divertidos.

P: ¿Puede contarme cómo surgió la historia de “Blue Eye Samurai”?

Noizumi: Tenemos una hija que ahora tiene más de 15 años, en la década de los ochenta, y nació con unos ojos azules que yo no creía que le fueran a permanecer. Y a los cuatro meses levantó la vista y tenía unos ojos azules preciosos y brillantes, y me quedé tan sorprendida y tan emocionada que le envié un mensaje (a Michael): “¡Tiene los ojos azules!”. Él me dijo algo así como… ok. Y tuve que deshacerme de esos sentimientos de por qué estaba emocionada y ni siquiera me había dado cuenta de que quería que tuviera los ojos azules y que pareciera más blanca, menos como yo, y más como él. Y la llamó la Samurai de los Ojos Azules y lo anotó como un buen título. Durante los 10 años siguientes, más o menos, empezamos a hablar de lo que habría significado tener ojos azules primero en Japón y durante el periodo Edo de Japón, cuando las fronteras estaban cerradas y eso se veía como algo raro y monstruoso.

Green: Con el tiempo, hablamos mucho de lo que podría ser una historia. Entonces nos encontramos con el personaje de Mizu, que se convirtió en algo muy real para nosotros, y la serie se convirtió en un depósito de muchos de los sentimientos que Amber compartía conmigo sobre cómo fue su infancia creciendo como mestiza en una ciudad con muy poca gente mestiza. Y lo siento, no debería hablar por ti…

Noizumi: Pero, ya me has oído contar la historia.

Green: Bueno, (Amber) se sentía como una extraña en casa por no ser vista como blanca, y luego iba a Japón y se sentía como una extraña y no era vista como suficientemente japonesa… Y lo que significa no sentir que perteneces a ningún sitio es algo con lo que mucha gente se siente identificada.

P: ¿Y cuándo se sintió preparado para hacer este espectáculo, ya que llevaba tiempo rondándole por la cabeza?

Noizumi: Cuando pensábamos en cómo íbamos a contar esta historia y cómo íbamos a ser capaces de crearla con la envergadura que requería, no veíamos cómo hacerlo o cómo sería posible lograrlo… Hasta que surgió la idea de la animación. Antes de eso, no habíamos visto animación para adultos como esta, y cuando empezamos a ver más apetito por programas de animación para adultos y Netflix acababa de crear un departamento entero dedicado a la animación para adultos, fue cuando la idea realmente despegó.

Green: Entonces supimos al instante cómo hacer el programa del que habíamos estado hablando y no tuvimos que hacer que encajara en una caja de lo que sería una versión de televisión de live-action. Podíamos hacer realidad nuestras mayores ambiciones.

P: Háblenos más de Mizu. ¿Cómo encontró este viaje para ella a lo largo de toda la serie?

Noizumi: Creo que Mizu siempre tuvo que ser Mizu debido a las restricciones que le imponía la sociedad de la época. Y si nos fijamos en sus objetivos, sus deseos, sus necesidades y las fuerzas externas, siempre tuvo que ser así. El trabajo que hicimos consistió en crear el lado más suave de lo que ella quiere y cómo responde a esas fuerzas, pero esta idea focalizada de “debo ser la mejor para conseguir lo que necesito” siempre fue un hecho.

“La única forma de hacer que la gente se interese es si sus emociones están comprometidas”.

—  Michael Green, guionista y productor estadounidense.

P: Se han hecho muchas cosas diferentes en términos de producción y animación, y la serie no se parece a ningún programa de animación que yo haya visto. ¿Qué aspectos únicos surgieron de la escritura de “Blue Eye Samurai”?

Green: En cuanto a los guiones, fuimos muy duros con nosotros mismos para asegurarnos de que los guiones que enviábamos a un equipo que los iba a abordar por nosotros, editar juntos y luego animar, fueran precisos y estuvieran listos para salir. Realmente actuamos como nuestra propia red y estudio, dándonos rondas de notas para que los guiones fueran intachables porque sabíamos que íbamos a pedir a muchos artistas talentosos que trabajaran muy duro en ello. Todo fue muy agradable: trabajar con los artistas, hablar con ellos de la historia, disculparnos cuando les pedíamos que hicieran las cosas de nuevo porque no tenían la emoción necesaria, dirigir a nuestros actores, editar, reeditar… Y luego tuvimos una educación increíble aprendiendo cómo funciona la animación con nuestro equipo, empezando poco a poco cada reunión diciendo: “Eh, somos los menos cualificados aquí, pero aún así estamos al mando… lo siento, y por favor, esperen mientras hacemos preguntas tontas”. Son muy pacientes con nosotros porque la dirección de programas de acción es análoga a la dirección de programas de animación, pero no es uno por uno. Y ahora, después de una temporada, estamos capacitados para hacerlo.

P: Es un viaje emocional envuelto en una historia de acción. ¿Cómo se consigue que el público se interese por los personajes con tanta acción?

Green: La única forma de hacer que la gente se interese es que sus emociones estén comprometidas. Al principio, parte de nuestra propuesta era que ésta iba a ser una serie de animación, pero que íbamos a vivir los primeros planos como si se tratara de una serie de acción real, y que queríamos que el público se sintiera tan unido a estos personajes como si se tratara de estrellas de cine. Y eso significaba diseñar rostros que pudieran emocionar de esa manera, y darles el tiempo y los recursos necesarios, pero también cortar por lo sano. No hicimos lo que hace mucha animación de acción.

Noizumi: Es mejor atrapar a la gente con los personajes y sus viajes, y una vez que estás involucrado, puedes ir a las profundidades del infierno con ellos.

P: Amber, siendo éste tu primer papel como guionista en el mundo del espectáculo, ¿hay algo que te haya llamado la atención o te haya sorprendido?

Noizumi: Imaginaba que sería un trabajo arduo, pero no lo fue porque me encantó hacerlo. Fue una exploración de mí misma y pude hacerlo con mi compañero de vida, y ha sido un proyecto tan apasionante que lo he disfrutado mucho más de lo que pensaba.

P: Michael, usted ha trabajado en un gran número de películas y series de superhéroes, detectives y toda una serie de historias y escenarios interesantes. ¿Qué destaca de “Blue Eyed Samurai”?

Green: Lo personal que es… Esto viene de casa, esto viene del corazón. Es original y tiene mucho significado. Y la idea de hacerlo bien se convirtió en algo mucho más importante para nosotros que los personajes que ya son queridos… Porque si hacemos nuestro trabajo, estos podrían convertirse en personajes queridos, y en secreto puedo saber hasta qué punto se basan en mi persona favorita.

Blue Eye Samurai’ ya está disponible en Netflix.

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episodios que tiene la serie ‘Blue Eye Samurai’.

Con ‘I Am Groot’, la directora Kristen Lepore se encuentra en su segunda vuelta para dar vida al personaje de Baby Groot en una serie de cortos animados. Y para hablar más sobre la segunda temporada que llegó a Disney+, Lepore se sentó a hablar sobre cómo el único superhéroe arbóreo de Marvel se ha convertido en el centro de atención de muchos fans, y qué supuso crear la segunda temporada de esta serie de éxito.

P: Marvel es obviamente enorme en el mundo del entretenimiento, y Groot es un personaje muy conocido en ese mundo. ¿Qué pensó cuando se enteró de que le habían dado la oportunidad de escribir y dirigir “Baby Groot”?

– Soy un friki de los cómics y hago sobre todo cortometrajes de animación muy raros, así que no pensé que me querrían para algo. Pero después de una reunión con Brad (Winderbaum), me enviaron el guión… Sabían que querían una serie sobre Baby Groot, y sabían que querían que viviera esas aventuras y conociera a nuevos personajes y explorara el universo… además, para que pudiéramos profundizar en su infancia y en lo que hacía entre las películas de los Guardianes.

Y aproveché la oportunidad, estaba muy emocionado. Además, como un superhéroe que es un árbol es mi superhéroe favorito, me atraía mucho. Lo propuse y me sorprendió que me lo dieran y que quisieran mi rareza para la serie.

Desde entonces, trabajando en las temporadas uno y dos, ha sido muy divertido no sólo poder trabajar con un personaje que es realmente universal en cierto sentido, sino que siento que podemos vernos a nosotros mismos en Baby Groot como ese pequeño niño travieso. Y también puede relacionarse a todos los niveles porque solo tiene una línea, así que no importa qué idioma hables, puedes entenderle. Fue muy divertido trabajar con ese personaje e idear situaciones locas en las que meterlo, su personalidad ya es muy fuerte y brilla en cualquier situación.

P: ¿Cómo se te ocurre cada episodio y en qué escenarios vemos meterse a Baby Groot?

– Creo que mi experiencia con los cortometrajes me ayudó en ese sentido, porque es como si tuvieras que contar toda la historia en tres minutos… Eso es lo que tienes. Así que ese ejercicio fue muy divertido, sólo se trata de llegar a todos estos escenarios diferentes, tanto para la temporada 1 y 2. Con nuestro editor de la historia, y no sé si nuestro artista del guión gráfico estaba involucrado todavía, pero empezamos una lluvia de ideas de 30 líneas de registro diferentes para lo que podría ser un episodio para cada temporada, por lo que en algún lugar hay 60 episodios potenciales. Los envié a la cadena y ellos nos dijeron cuáles les entusiasmaban más y los redujimos a cinco por temporada.

Teníamos algunos episodios extravagantes y, para mi sorpresa, eligieron algunos de los más extravagantes. No me lo podía creer cuando propuse “Groot tiene nariz” y me lo devolvieron con un círculo en este documento. Yo estaba como, de ninguna manera, estoy tan emocionada de llegar a hacer esto. Han sido totalmente increíbles, todos en Marvel y todo el equipo, nos han apoyado mucho para que vayamos allí con este personaje y nos divirtamos, y creo que el público también lo está disfrutando. Es algo realmente diferente y cómico en el espacio de animación de Marvel.

“Soy una friki de los cómics y hago cortos de animación muy raros sobre todo – así que no pensé que ellos [Marvel. – Ed.] alguna vez me querrían para algo”.

—  Kristen Lepore, animadora y directora estadounidense.

P: En el mundo de los cortometrajes, ¿cuáles son las ventajas de disponer de tan poco tiempo para contar la historia y cuáles son quizá algunos de los retos?

– Creo que es algo que se consigue con mucha práctica y experiencia. Incluso para mí, que llevo tanto tiempo haciéndolo, y con ese formato corto en concreto, hubo momentos en los que pensamos: “Oh, este realmente necesita ser de cinco minutos”, así que lo redujimos. Pero también teníamos eso en mente cuando presentábamos las ideas. En cierto modo, todas tienen una estructura de tres actos, pero cuando intentas añadir demasiadas cosas, te das cuenta de que no va a funcionar. Así que tienes que ser muy exigente y selectivo.

También hay momentos en los que el mérito es de nuestro editor, cuando crees que realmente necesitas esos cinco minutos. Creo que como guionista y director, no quieres matar a tus queridos, y entonces el editor dice algo así como, bueno, vamos a quitar esto. Y luego lo ves y piensas… tienes razón, es mejor.

P: ¿Hay algún episodio que te parezca la quintaesencia de Baby Groot?

– De la primera temporada, creo que el episodio del baño es la quintaesencia de Groot, en el que está jugando y le crecen las hojas y todo eso. Luego, en la segunda temporada, todos son la quintaesencia, pero me viene a la mente el de la nieve, en el que tienes una especie de montaje de él jugando. Puedes ver lo que se le ocurre cuando está literalmente teniendo un día de nieve, y luego, por supuesto, llega a un punto de locura, como ocurre la mayoría de las veces que Groot se ve involucrado.

P: ¿Por qué crees que el personaje de Groot ha despegado tanto?

– Creo que puede ser el hecho de que sea un árbol o un personaje no humano. Creo que cuando no se trata de un ser humano, se hace más cercano a todo el mundo porque no tienes los rasgos específicos de ese ser humano o de ese actor o lo que sea. Hay algo en ver un animal o un árbol antropomorfizado con lo que creo que, de alguna manera, podemos identificarnos más.

Con Baby Groot, hay tantas ideas. Incluso cuando se nos ocurrían los escenarios, salían directamente de mi infancia o de la infancia de nuestro editor de historias, Ryan. Se inspira en tantas cosas por las que todos hemos pasado y todos hemos estado ahí… Quiero decir, para mí, un niño de los suburbios de Nueva Jersey, definitivamente perseguí ese camión de helados que pasa en un episodio. Eso fue super autobiográfico para mí. Así que sí, creo que se convierte en el niño que todos llevamos dentro.

La segunda temporada de “I Am Groot” se emite en exclusiva en Disney+.

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Episodios que presenta la segunda temporada de ‘I am Groot’.

3-4 minutos

Es la duración de cada episodio.