‘May December’ es una película basada en un caso real que ocupó las portadas de los periódicos sensacionalistas en los años 90. La historia habla de una mujer de 36 años que fue detenida y procesada tras descubrirse su relación sentimental y sexual con un niño de 13 años.

El guión de Samy Burch se basa muy libremente en el caso real de Mary Kay Letourneau, una profesora de Burien, en el estado de Washington, que fue detenida en 1997 acusada de violación de un menor de doce años llamado Vili Fualaau, de quien la mujer estaba embarazada en ese momento. Tras cumplir una condena de siete años de cárcel, Letourneau y Fualaau se casaron y tuvieron más hijos. Con un pasado y un bagaje similares, los personajes interpretados por Julianne Moore y Charles Melton, Gracie y Joe, acogen en su casa de Savannah a Elizabeth Berry, interpretada por Natalie Portman. Berry es una actriz que pronto empezará a rodar una película en la que interpretará una posible versión de Gracie y quiere hacer un estudio sobre ella.

“Cuando me enviaron el guión de ‘May December’, me quedé completamente alucinada. Tenía tantos matices, era tan específico y la historia era tan interesante y sorprendente que decidí enviárselo a Todd Haynes, a quien admiro desde hace tanto tiempo y, por suerte, se interesó. Era mi primera oportunidad de producir una película y la experiencia ha sido extraordinaria”, admitió Portman.

Portman envió el manuscrito a Haynes a través de su recién estrenada productora, MountainA: “Le gustan las historias que nos contamos a nosotros mismos y a los demás. Lo que hizo que el material fuera aún más sorprendente fue su tono y su sensación de confianza al navegar por un territorio realmente perturbador”, añadió.

Lejos del morbo pero mirando de frente a un complejo caso de abusos sexuales, el nuevo largometraje del cineasta de ‘Velvet Goldmine’ y ‘Lejos del cielo’ recibió una nominación en los Oscar en la categoría de Guión Original.

“Es maravilloso compartir esta película con el público porque es una exploración de lo que significa ser humano”, declaró Portman.

Esta comedia negra tiene a Julianne Moore en el centro de la historia; ella dijo que sí de inmediato, pero sólo al examinar más de cerca el material y su personaje de Gracie llegó a comprender la complejidad de lo que acababa de firmar.

“Llamé a Todd y le dije: ‘No puedo hacer esto. Es demasiado difícil’. Me costaba mucho. Me dije: ‘¿Quién es esta mujer? El personaje era difícil de manejar, dado lo mucho que se aferraba a su propia narrativa, a su propia interpretación, a su vida y a quién era. ¿Y cuál es esa interpretación?”, dijo Moore, que se mostró muy contenta de trabajar con Portman. “Tenemos muchas escenas juntos. Tenemos la escena de la cocina. Tenemos la escena del arreglo floral. Tenemos la escena del maquillaje. Así que fue realmente interesante que todos estos encuentros se crearan con una actitud hiperfemenina. Como nos tocamos físicamente, es una película mucho más convincente”.

Elizabeth es una figura plagada de oscuras motivaciones. El proyecto, para Portman, recordaba la verdad entre los actores de negarse a juzgar a un personaje independientemente de lo que haya hecho.

“Lo que hizo que el material (para la película. – Ed.) fuera aún más asombroso fue su tono y su sensación de confianza a la hora de navegar por lo que era un territorio verdaderamente perturbador”

Natalie Portman

“Intentamos meternos en el corazón y la mente de la gente, y a veces interpretas a personas que cometen crímenes. Eso no significa que creas que esos crímenes deban cometerse. Es sólo que, como artistas, sentimos curiosidad por el funcionamiento interno del corazón humano. Es un guión escrito con humor, y Todd encontró este equilibrio perfecto y delicado porque hay una emoción genuina y sincera. Fue en gran medida su visión la que permitió enhebrar esa línea tan específica de humor e incomodidad y auténtica emoción genuina”, destacó Portman.

Moore y Melton retratan la vida de un matrimonio cuya diferencia de edad de 20 años inspira un escándalo nacional en los tabloides. Mientras planean enviar a sus hijas gemelas a la universidad, la dinámica familiar empieza a resquebrajarse a medida que Portman indaga en su pasado. Dada la obsesión de Estados Unidos por el escándalo, Portman dice que no había escasez de material en el que inspirarse.

“Teníamos todo el material sensacionalista que existía. Había un libro con un título loco, como ‘Castigados por amor’, o algo así. Teníamos esos recursos al alcance de la mano, lo que nos ayudó a ponernos en antecedentes”, recuerda la actriz.

Para la oscarizada Portman, “la película es un estudio de los distintos papeles que desempeñamos en diferentes entornos. Como mujeres, se espera de nosotras que nos comportemos de formas muy distintas a como lo hacen los hombres. Las expectativas son diferentes para nosotras todo el tiempo. Afectan a nuestra forma de comportarnos, tanto si las aceptamos como si las rechazamos. Las estructuras sociales te definen”.

Para Charles Melton, el proceso fue diferente, ya que tuvo que enviar una cinta y pasar por muchas audiciones antes de tener la oportunidad de meterse en la piel de un personaje con el que no tenía nada en común. Pero no fue difícil, ya que lo hizo con empatía.

“Eso es como lo emocionante de ser actor es, ya sabes, cuando llego a un personaje con empatía. Estoy como aportando mi sentido de, mi comprensión de mi realidad. Ya sabes, el trabajo de carácter que he hecho en mí mismo. Comprender la raíz de ciertas emociones que viven en mi cuerpo que, ya sabes, tomó un montón de auto-reflexión para entender. Así que hacer todo ese trabajo de carácter, mi trabajo, ser un artesano de mi vida, realmente me permitió llegar a Joe y entender cosas para él que él no entendía. A veces el cuerpo cuenta una historia antes de que la persona pueda articular nada. Joe tiene esa represión porque está protegiendo algo que no sabe muy bien si le fue arrebatado a una edad tan temprana y que determinaría su forma de navegar por la vida. Para mí fue emocionante sumergirme en cómo es la tristeza”.

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Nominación a los premios de la Academia por el “Mejor guión original”.



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En la nueva película de Snoop Dog, ‘The Underdoggs’, el rapero interpreta a Jaycen, quien es sentenciado a realizar servicios comunitarios entrenando a los Underdoggs, un equipo de fútbol rebelde en su ciudad natal de Long Beach, California, lo ve como una oportunidad para reconstruir su imagen pública y cambiar su vida. Mientras Jaycen trabaja para transformar a los descarados Underdoggs en campeones de primer nivel, él reconecta con su pasado, incluido un viejo amor y algunos de sus ex compañeros, y redescubre su amor por el juego.

“En mi vida ha sido necesario cambiar y transformarse. Fue necesario. Llevaba mucho tiempo dando vueltas a la idea de interpretar sin realmente decidirme, entiendo que actuar no es el mundo real. Pero la narración sí cuenta el mundo real en el que vivimos y era hora de que alguien hiciera algo que pudiera parecer real. No es una falta de respeto. En realidad, representa lo que realmente sucede en el mundo de hoy y queremos asegurarnos de que la gente entienda que esto es una historia de vida, amor y familia con el fútbol por el medio, sino una realidad”, cuenta el músico.

La comedia deportiva cuenta con clasificación para adultos, pero también es en gran medida una película familiar a su manera con un enfoque que el legendario artista asegura que es importante llevar a la pantalla. En realidad, ‘The Underdoggs’ se inspira en la Snopp Youth Football League, fundada por Snoop Dogg en 2005, mientras al mismo tiempo representa a su querida escuela secundaria Long Beach Poly donde estudió con Cameron Díaz. “Poly High School, Funkhouse, esta es la escuela secundaria más prolífica del sur de California. Si piensas en los grandes que han pasado por ese campus. Retrocedamos en el tiempo, tienes a John Wayne, Billie Jean King, Carl Weathers, y sí Cameron Díaz, solo por nombrar algunos”, apuntó el actor durante la entrevista.

Snoop también se desempeña como productor junto con Kenya Barris, Mychelle Deshamps, Jonathan Glickman y Constance Schwartz-Morini.

Amazon Prime Video

‘The Underdoggs’, que iba a estrenarse en cines de todo el mundo el 26 de enero de 2024, finalmente llegó exclusivamente a la plataforma de streaming Amazon Prime Video ese mismo día. La historia está basada en una idea del propio Snoop Dogg y transformada en guión por Danny Segal e Isaac Schamis. “He conocido entrenadores que hablaban mal, pero eran capaces de comunicar mensajes importantes. Atletas que tuvieron que volver a la realidad porque estos entrenadores, eran  ex pandilleros que ven cómo su comunidad  ha sido destrozada  y necesitan cambiar y dar algo a cambio”.

El realizador de la película, Charles Stone, ya estuvo detrás de las cámaras en ‘Uncle Drew’ y en un montón de series populares, especialmente las creadas por la ya icónica Kenya Barris. “Todos en el Sur de California sueñan con ir a Long Beach Poly High School porque hay mucha grandeza conectada a ella, no sólo en relación al deporte sino también es el hogar de muchos académicos. Es un lugar donde te enseña a ser grande  porque tienen esa tradición. Poner eso en esta película demostró que mi idea está bien defendida. Esta cinta nace de mi corazón porque esa es la escuela a la que yo fui, a la que fue mi madre y toda mi familia, es generacional”.

“Llevaba mucho tiempo dando vueltas a la idea de interpretar sin realmente decidirme, entiendo que actuar no es el mundo real. Pero la narración sí cuenta el mundo real en el que vivimos y era hora de que alguien hiciera algo que pudiera parecer real”

—  Snoop Dog

Ha pasado mucho tiempo desde que Snoop Dogg dejará de ser el rapero gangsta de la costa oeste para convertirse en un ícono popular. Su figura ha trascendido incluso como empresario poderoso, no en vano es propietario de “Death Row Records” y alguien reconocido popularmente en cualquier parte del mundo, algo que no es aplicable a la mayoría de artistas de hip-hop. “La película tiene muchas capas y habla de diferentes temas, como la pobreza infantil, las niñas jugando al fútbol y ser una superestrella a una edad temprana. Teníamos chicas que jugaban en mi liga, teníamos niños que venían de la pobreza y vivían en ciertos hogares que no querían que nadie supiera dónde vivían. Teníamos jugadores superestrellas en el equipo sin padres ni dirección y simplemente eran grandes niños en el campo de fútbol, pero no sabían cómo perfeccionarse para convertirse en un gran atleta”.

Snoop no para de involucrarse en nuevos proyectos, y este último basado en el deporte, es un tema que el propio artista parece controlar. “Para mí era importante mostrar cómo podemos cambiar. Cómo alguien puede convertirse en entrenador de fútbol, detener la violencia de las pandillas, crear un ambiente donde los parques sean gratuitos para que los niños practiquen, los días de juego sean gratuitos para que los niños jueguen. Tres días de práctica, un día de juegos, son cuatro días a la semana que estos niños van a vivir ahora porque estamos brindando un refugio seguro para que esos entrenadores sean como Jaycen, tienen que regresar a su comunidad y arreglar algo que hicieron mal, ya sea a través de la liga o porque fueron mejores personas y quieren ser un ejemplo de cómo puedes cambiar una vez que asciendes”.

Hay muchos filmes con una trama similar, como el remake de “The Bonebreaker Clan”, cuya anterior película tuvo a Adam Sandler como protagonista, pero esta tiene algo que la hace especial: Snoop Dogg. El ex rapero tiene un magnetismo único gracias a su capacidad de diversificar. Su vena polifacética le ha llevado a aparecer ahora como protagonista de una película después de haberle visto ya en multitud de cameos en otras películas. “Conozco a algunos amigos míos que son jugadores de fútbol excepcionales, miembros del salón de la fama, que recibieron las mismas críticas que Jayce y de alguna manera los vi abrirse camino de vuelta en la comunidad y esa es la descripción de lo que esto podría ser. Un ejemplo de grandeza no sólo del lado malo sino de ir del mal al bien”, explicó Snoop. Por si fuera poco, grandes nombres forman parte del elenco, como George López. “López está genial como entrenador Feis”, admite el actor.

Snoop, quien dijo que su parte favorita de ser entrenador de fútbol juvenil es la interacción y el compromiso con los jugadores, quiere que la película brinde un mensaje importante sobre la retribución, especialmente en la comunidad negra. Uno de los jugadores juveniles más recientes de la liga de Snoop que se convirtió en profesional es el mariscal de campo novato de los Houston Texans, C.J. Stroud, segunda selección general en el Draft de la NFL de 2023. Stroud se graduó en 2020 de la escuela secundaria Rancho Cucamonga en Inland Empire. “C.J. es el ejemplo perfecto de cada niño de mi liga que llega a la liga profesional; generalmente no son los mejores jugadores de su equipo, pero sí son los mejores niños del equipo.  CJ siempre fue un líder y  dirigió al equipo por la forma en que se movía, por la forma en que se comportaba. No drogas. Nada de fiesta. Ninguna actividad criminal, nada de eso”. A la luz de la reciente discusión sobre la prohibición del ‘Tackle football’ en California para niños menores de 12 años, Snoop dijo que continuará respaldando todas las versiones de este deporte. “Creo que representa positividad y unidad.. Algunos de estos niños necesitan eso. Esto es todo lo que tienen y a través del deporte y del fútbol se pueden conseguir muchas cosas. No siempre tiene que ser ir a la NFL. Se trata más de lograr objetivos de vida. Tenemos que encontrar algo que nos guste y tenemos que encontrar personas que puedan inspirarnos”.

La película representa no sólo los valores de Snoop sino también los necesarios en el espíritu deportivo. “El fútbol siempre ha sido algo muy querido para mí”, afirmó. “Quería contar algunas historias de algunos niños que me han afectado y luego quería contar la historia de un jugador exitoso que olvidó de dónde vino y todas las cosas que te mantienen arraigado. Encontrar la situación correcta para este guion fue la primera parte, pero luego encontrar el elenco correcto y encontrar a las personas adecuadas para poder filmarlo y darle sentido. Estoy feliz de estrenar esta película”  .

2005

fue el año que Snoop Dogg fundó la Snopp Youth Football League, en la que se basa la película.

¿Quién era Griselda Blanco? Durante muchos años, esta mujer sólo fue conocida como la “Viuda Negra” o la “Madrina de la Cocaína”, dos de los apodos que utilizaban las pocas personas que la conocían. Blanco fue traficante, asesina sin escrúpulos, madre y una de las narcotraficantes más conocidas del mundo. Su imperio de cocaína es ahora el tema de una nueva serie dramática de Netflix, con Sofía Vergara pasando de la comedia al drama, asombrando al mundo con esta historia real de violencia, horror y tragedia. De los creadores de ‘Narcos’, ‘Griselda’ tiene todos los elementos para cautivar al público de todo el mundo una vez más.

Sofía Vergara no sólo interpreta el papel protagonista, sino que también ejerce de productora ejecutiva junto a Eric Newman.

“Conocimos a Griselda en nuestra investigación para ‘Narcos’. Era miembro del cártel de Medellín y se cruzó con Escobar y los Ochoa, entre otros. Destacó como un personaje convincente, la primera y única mujer que encontramos en nuestra investigación que alcanzó ese nivel de prominencia en el negocio de los narcóticos. Hay muchas razones para ello. Nos atraía su historia, pero no podíamos encajarla en Narcos, necesitaba su propio espacio. Sofía se puso en contacto con nosotros durante la tercera o cuarta temporada de Narcos, expresando su deseo de interpretar a Griselda. Fue irresistible para nosotros”, dijo el creador de Narcos a Metro.

Dirigida por el colombiano Andrés Baiz, ‘Griselda’ es el trabajo más convincente de Vergara, en el que muestra su talento como actriz dramática.

P: Todo el mundo tiene curiosidad por saber cómo escuchaste hablar por primera vez de Griselda Blanco. ¿Qué te llevó a querer colaborar en esta serie?

– Bueno, lo primero que me interesó de ella, de todo este asunto, fue que nunca había oído hablar de ella, y yo crecí en Colombia durante esa época. La época en la que el narcotráfico estaba en auge, en la que todos los miembros de los cárteles eran conocidos. Sabíamos lo que hacían. Estados Unidos los buscaba. Así que me pareció muy interesante que hubiera una mujer capaz de llegar a ese nivel con esos hombres, pero no sabíamos quién era. Yo no lo sabía, mi familia no lo sabía. Así que, para mí, era como un gran, gran, gran interés. Ella es conocida por ser la “Viuda Negra” porque mató a su marido. Por lo tanto, yo supe más tarde en mi vida pequeñas historias sobre su vida. Pero no fue hasta que empezamos a investigar para esta serie que la encontré convincente, un personaje muy complejo. Los antihéroes son siempre muy interesantes en ese sentido, porque pueden decir mucho sobre la naturaleza humana.

P: Háblanos más de la personalidad y la fama de Griselda.

– Ella no era como los otros traficantes que querían crédito, que querían estar delante, que se filmaban a sí mismos. Escobar se presentó a cargos políticos. Griselda sabía de sobra que ser famosa le perjudicaría. Mientras que la mayoría de los otros traficantes tenían su base en Colombia o México, donde la extradición era siempre una hazaña difícil de conseguir. Griselda estaba en Miami. Estaba en Estados Unidos. Y así, se mantuvo bajo el radar. No era fácil. Hay muchas anécdotas que habíamos oído, algunas de las cuales parecían falsas porque eran muy absurdas. Y otras, a pesar de ser absurdas, eran ciertas.

“Ella no era como los otros traficantes que querían crédito, que querían estar al frente, que se filmaban a sí mismos… Griselda sabía suficientemente que ser famosa sería malo para ella”.

—  Sofía Vergara, actriz colombiana-americana

P: ¿Por qué quisiste interpretar a Griselda Blanco?

– Podía identificarme con ella muy fácilmente porque soy una mujer colombiana. Fui madre soltera. Fui inmigrante. He trabajado desde muy, muy joven. Así que había muchas cosas. Y simplemente por ser mujer. Crecí en Colombia durante el auge del narcotráfico. Mi hermano era parte de este negocio. Desafortunadamente, en algún momento, fue asesinado en Colombia. Así que sabía lo que se sentía. Sabía lo que era el negocio. Sabía cómo se destruyen las familias.

Como actriz, intenté pensar por qué una madre haría este tipo de cosas. Porque eso es lo que me hizo interesarme tanto por ella. ¿Por qué una madre de cuatro hijos sería así, se convertiría en eso?

P: ¿Qué fue lo que más le impresionó de Griselda Blanco durante este proyecto?

– Me llamó la atención su capacidad para igualar la brutalidad de los hombres en su campo, sin dejar de ser madre. Poco a poco fue perdiendo sus valores y buenas intenciones bajo el peso de sus circunstancias.

P: ¿Fue difícil renunciar a su belleza por un personaje?

– Quería parecerme a alguien que existe. Sí, quería dejar de ser quien era, pero también quería parecer real.

“Fue súper interesante ver a una mujer llegar a la cima en este ‘negocio’. Fue una locura. Hay una parte de ella que admiraba y me molestaba”.

—  Sofía Vergara, actriz colombiana-americana

P: ¿Qué has aprendido sobre las consecuencias del poder interpretando a Griselda?

– Tengo 51 años. He vivido mucho. Sé que el mundo puede ser un lugar cruel.

Los seres humanos podemos cambiar de un momento a otro y convertirnos en algo que nunca pensamos que podríamos llegar a ser. También creo que esa fue una de las razones por las que dejé de pensar que era una buena idea hacer Griselda en algún momento. Porque Griselda salió de la cárcel. Estaba libre en Medellín.

Y no me pareció bien (rodar la serie –Ed.) por muy interesante que fuera el personaje para mí. No me parecía bien seguir adelante, desarrollando una historia donde la mala, o sea, ni siquiera diría que tuvo un final feliz porque tuvo muchos muchos problemas. Cumplió 22 años. Pero estaba viva. Cuando la mataron fue el momento en el que pensé, vale, este es el momento en el que quizá pueda hacer la serie.

P: Hemos visto antes historias sobre famosos capos de la droga, pero ¿qué es lo que hace diferente a “Griselda”?

– No se trata sólo del negocio del narcotráfico y de cómo funciona. Todos lo sabemos, hemos visto millones de programas de televisión y películas. Hemos leído libros sobre cómo es este negocio. Fue tan sorprendente cómo Andy y Eric y los guionistas pensaron en Griselda como mujer, como persona, como personaje. Nunca habíamos visto a una mujer que llegara a ese nivel y lograra lo que ella logra. Eso fue fascinante.  No se trataba sólo de tiroteos y asesinatos y de enviar cocaína aquí y allá. Se trataba de explorar el mundo interior de esta mujer y su viaje.

La serie ‘The Curse’ (La lamdición), cocreada y coprotagonizada por Nathan Fielder, Emma Stone y Benny Safdie, es absolutamente impredecible. Con un guión directo, a diferencia de los programas de bromas y metaexperimentos sociales de Fielder, la serie es una especie de thriller psicológico con un elemento de terror, animado por los temas y neurosis típicos de Fielder. ‘The Curse’ es un esfuerzo ambicioso, diseñado para golpear a los espectadores con temas como la gentrificación, el racismo, la aprobación cultural y la fachada cínica que muchas personas presentan y que apenas se ajusta a su realidad.

Encabezando el reparto, la actriz Emma Stone interpreta a Whitney, una mujer cautivada por un falso altruismo que utiliza para promocionarse. Pero no es el único personaje que interpreta este año. Stone también aparece en la película ‘Poor Things’, del cineasta griego Yorgos Lanthimos. Vencedora en los Critics Choice Awards, opta a su cuarta candidatura a los Oscar.

P: ¿Por qué decidiste encabezar la serie de televisión ‘The Curse’?

– Conozco a Nathan (Fielder) desde hace un par de años, y me dijo: “¿Puedo hablarte de una idea que tiene Benny (Safdie) para un proyecto?”. Y le dije: “Por supuesto, me apunto”. Creo que ‘The Curse’ es fascinante, y es el papel más desafiante que he interpretado nunca.

P: Ahora que has rodado esta serie con una narrativa muy original, ¿cómo describirías la experiencia?

– Ben y Nathan tienen mucha experiencia trabajando con actrices en el pasado. Para mí, fue especial ver cómo trabajan Benny y Nathan. Y luego, trabajar con no actores fue increíble porque me dio mucha libertad. Como actriz, no quería parecer falsa, y cuando te sientes cómoda en un papel, puede parecer falso, sobre todo con gente que improvisa.

P: Sin estropear la historia, ¿puedes compartir tu forma de entender este personaje?

– Whitney, mi personaje, es creado totalmente por su entorno en cada momento. No hay nada que se pueda rastrear en ella. Hace cosas buenas a cualquier persona que tenga delante. En realidad, es simpática, pero no es buena.

P: Este es un gran año para ti. Parece que disfrutas colaborando con Yorgos Lanthimos. ¿Hay algo específico que él haga que saque lo mejor de tu trabajo?

– Cuando terminamos ‘The Favorite’, empezamos a hablar de otras cosas, y fue entonces cuando me mencionó ‘Poor Things’. Creo que nos queremos de verdad. Creo que nos entendemos y nos llevamos muy bien. Pero creo que ambos nos tenemos mucho respeto y admiración por el otro y por lo que hacemos. Y siento que puedo confiar plenamente en él como director y colaborador, y eso es tan raro como actor, poder entregarte totalmente y saber que te protegen de esa manera y que protegen la historia. Podemos reírnos el uno del otro, podemos pelearnos, y podemos tener una relación legítima, lo cual es increíble, y por eso creo que me encanta trabajar con él una y otra vez.

“Me da mucha vergüenza cuando los actores dicen que su trabajo es duro. Porque me parece humillante”.

—  Emma Stone, actriz estadounidense.

P: El papel de Bella en ‘Poor Things’ es complejo, desde una mente infantil en un cuerpo adulto hasta una mujer que se libera con un espíritu liberal y feminista. ¿Cómo te preparaste para el papel?

– Simplemente intentando quitarme todo el juicio y la vergüenza posibles, porque creo que era más un deshacer que un hacer. Obviamente, el físico y el lenguaje y todo eso fue algo en lo que trabajamos bastante porque lo necesitábamos, y necesitábamos entender su puesta en escena a medida que avanzaba la película, y avanzaba la historia. Pero, más que nada, era como dejar ir las cosas, porque Bella es pura alegría y curiosidad y no tiene vergüenza ni trauma. Y es difícil encontrar un adulto que no haya pasado por cosas y tenga, ya sabes, ciertas respuestas pavlovianas a ciertas cosas o ciertos juicios sobre sí mismos o sobre los demás. Ese fue el gran regalo de interpretarla. Vive en un lugar de descubrimiento. Creo que esa fue la mayor parte de mi preparación para interpretarla.

P: ¿Qué recursos interpretativos o influencias utilizaste para crear un personaje tan singular?

– Trabajé en todo esto con Yorgos, y también con actores increíbles. Fue increíble. Cuando trabajas con estos actores, sientes que puedes estar en la escena y ser libre. El personaje no se parece a nada… Creo que fue más intuitivo y yo sólo intentaba basarme en lo que teníamos en cuanto a la historia y la evolución y los encuentros que tiene, así como los entornos en los que se encuentra.

P: En esta película se habla del despertar intelectual, emocional y sexual de Bella, que a menudo encuentra la resistencia de los hombres. ¿Qué importancia tenía este aspecto?

– No lo vi sólo como una especie de enfrentamiento entre ella y los hombres. Creo que es su experiencia de todas las facetas diferentes de la vida y del mundo y de las diferentes ciudades, los diferentes entornos y experiencias. No creo que pensara en ello como una relación entre ella y los hombres. Pero todos esos personajes masculinos son fascinantes a su manera y tienen sus propias capas de cómo la experimentan, lo que le ofrecen, lo que le enseñan y lo que ella les enseña.

P: Este es, sin duda, el trabajo más audaz de tu carrera hasta la fecha. ¿Qué te hizo decidirte a correr el riesgo de interpretar un papel tan poco convencional?

– Ni siquiera me lo pensé dos veces. Fue como lo más grande. Es mi personaje favorito de todos los tiempos. Y fue con Yorgos. Yo estaba como, “listo, genial”. No fue una decisión difícil. Me sentí muy afortunada.

P: ¿Podrías hablarnos de la evolución de tu personaje, desde los elementos físicos hasta su mentalidad, y de cómo trabajaste con Yorgos para llegar hasta ahí?

– Sí, lo hicimos de una forma muy lógica. Sólo la puesta en escena con su físico y su lenguaje, y luego el resto. Ni a Yorgos ni a mí nos gusta hablar mucho de la psicología del personaje y de lo que ocurre internamente. El exterior está más o menos ahí, y luego es mi trabajo hacerlo más internamente. Así que eso es lo que hicimos. Analizamos cómo se desarrollaría en estas etapas para que pudiéramos saltar de un día a otro. Y si necesitábamos cambiar dónde estábamos en la historia, sabíamos cómo se desarrollaría. Y entonces, quiero decir, en mi mente, eso es para mí saber y tú lo descubras. Qué estupidez.

P: ¿Cómo describirías el proceso de rodaje de una película tan extraña?

– Es difícil preguntármelo porque me da mucha vergüenza que los actores digan que su trabajo es duro. Porque me parece humillante. Aunque sea (duro)… Dicho esto, claro que algunos días me resulta duro (*risas*), pero no mucho, ya me entiendes. Es muy divertido. Es algo tan alegre y afortunado. Y fue un personaje tan alegre de interpretar que, incluso cuando era un día más difícil o estaba siendo dura conmigo misma o lo que fuera, siempre es un regalo.

Jodie Foster interpreta a Liz Danvers en “True Detective: Night Country’, serie creada para Showrunner y dirigida por Issa López. Estrenada casi 10 años después del debut de la primera temporada, ‘True Detective: Night Country’ despliega la historia de unos científicos de la Estación de Investigación del Ártico que desaparecen misteriosamente.

Issa López, autora o coautora de la mayoría de los episodios y directora de los seis, devuelve a “Night Country” la inquietante esencia de la primera temporada, mezclando la narración de crímenes reales con elementos sobrenaturales.

P: La serie “True Detective” tiene un tono y un estilo distintivos a la hora de retratar crímenes e investigaciones, que los fans adoran. ¿Cree que esta temporada mantiene esa esencia?

– Sí, me encanta esa serie. Quizás, no quiero decir que fue el comienzo del streaming, pero quizás fue el comienzo de mi adicción al streaming. Así que era una de esas cosas que veía y me encantaban y a las que siempre volvía.

P: ¿Qué le atrajo de esta serie, teniendo en cuenta que es su primer papel protagonista en una serie desde 1975?

– Es sorprendente. El 75 fue hace mucho tiempo, sí. Yo vivía en el mundo del largometraje y, bueno, hemos llegado a un momento increíble en la historia del cine. Y ese es el momento en que la verdadera narrativa está en el streaming. Así que creo que es ahí donde se están haciendo algunos de los mejores trabajos.

P: ¿Podría hablarnos de la elaboración de este relato con dos protagonistas femeninas fuertes?

– Bueno, este es un sueño hecho realidad. Issa Lopez es mi directora favorita. La mejor con la que he trabajado. Es una bendición. He trabajado con mucha gente. Pero finalmente encuentras a una persona que entiende cómo puedes dar lo mejor de ti. Siento que ella fue capaz de sacar eso de mí. Luego tengo que verla hacerlo con todo tipo de gente de diferentes maneras. Ese fue el gran atractivo de la colaboración y eso ocurrió desde el principio.

P: ¿La estabas aterrorizando?

– Sí, la aterrorizaba. Dije algunas cosas aterradoras como “no me gusta eso”. “Qué pasa con esto, grrr”. Y luego me fui de la ciudad. Luego fue increíble ver surgir un personaje totalmente nuevo que era más de lo que jamás podría haber esperado o anticipado y que creo que ayuda a la dinámica entre Liz Danvers y Evangeline Navarro.

“Mi enfoque ha cambiado ahora sobre lo que buscaba al ser actriz… He logrado tantos de mis objetivos, así que puedo dejarlos a un lado y ahora se trata realmente de lo que me emociona”.

—  Jodie Foster, actriz y cineasta estadounidense.

P: ¿Cómo afectó a la producción rodar en el Ártico?

– Sí, eso supuso grandes retos, como puedes imaginar: trabajar de noche, en primer lugar,

e intentar iluminar de noche y en la nieve con todos los elementos. Pero, curiosamente, tuvimos a los dioses de nuestra parte. Justo cuando necesitábamos toda esta nieve nos llegó toda la nieve. Y justo cuando necesitábamos que hubiera calma, la hubo.

P: ¿Puede describir algunos de los lugares más impresionantes utilizados en el rodaje?

– Lagos helados. Fue muy divertido. Pasamos cuatro semanas en el norte, en Islandia. Necesitábamos una gran cantidad de nieve. Y fue precioso. La gente es diferente allí. Les gusta nadar en piscinas al aire libre con temperaturas bajo cero. También fue divertido vivir esa experiencia.

P: ¿Trabajar en “True Detective” le recuerda a su papel de Clarice Starling, que ahora se enfrenta a un duro caso en Alaska?

– La verdad es que no. No creo que ambos sean comparables. Pero creo que hay algo debajo de la comparación que es muy acogedor.

P: Como directora, ¿le dio consejos a Issa López?

– Bueno, los consejos no suelen ser asunto mío. Suelen ser sobre otras cosas que no tienen nada que ver con mi personaje o mi interpretación. Suelen ser sobre otras cosas. Me encanta cuando otros actores son directores porque siento que tengo otros ojos sobre la mesa y que están pendientes de cómo va a quedar todo. Así que espero no ser un lastre total. Creo que hay momentos en los que estoy bebiendo capuchino y pienso que eso nunca va a funcionar. Eso puede ser realmente molesto porque no está bien. La gente debería poder ser creativa y explorar nuevas formas de hacer las cosas que no sean las antiguas. Y me gusta tener esa advertencia, donde digo como, “Mira, esto es sólo mi experiencia. Y puede que tú tengas una nueva forma de hacerlo, pero déjame decirte que las últimas 35 veces que he visto intentarlo…” Esto es lo que ha pasado. Pero a veces me equivoco.

P: ¿Puede hablarnos de la importancia de la espiritualidad y la mitología indígenas en la historia?

– La historia es una oportunidad para que el público conozca la historia indígena genuinamente centrada. Y yo quería saber más. No es mi voz. Es su voz y yo quería apoyar y asegurarme de que sus historias estuvieran centradas. Así que me gustaría que algunos de los inupiat estuvieran aquí para poder decir su verdad. Si la población del Ártico es 80% Inuit, también lo es nuestra historia. Alrededor del 80% de los actores son indígenas procedentes de todo tipo de lugares. Y es maravilloso ver a tantos… está el gracioso y luego está el que es el malo. No es sólo una vieja historia juzgada desde una lente blanca de víctimas indígenas. Es una comprensión totalmente moderna de quiénes son esas personas.

P: ¿Cree que sería un buen detective?

– Sería una mala detective porque soy hipermétrope y no me fijo en nada. Así que podrías cambiarte de camisa o ponerte bigote y yo sólo diría: “Oh”.

En ‘Memory’, Chastain interpreta a Sylvia, una mujer con una vida sencilla que cuida de su hija y acude a sus reuniones de Alcohólicos Anónimos, hasta que tras una reunión de compañeros de instituto, es seguida a casa por Saúl. Su inesperado reencuentro abre un viaje al pasado que impactará en la vida de ambos. ‘Memory’ también supone la primera colaboración entre los dos actores protagonistas, Chastain y Peter Sarsgaard, que ganó la Copa Volpi al Mejor Actor por su interpretación en el Festival de Venecia.

P: ¿Conocía bien a Peter Sarsgaard antes de este proyecto?

– Conocía el trabajo de Peter y sabía que había vivido muchos años en Nueva York. Simplemente admiraba lo que había hecho con su carrera. Cada uno de sus personajes es tan diferente del siguiente. La persona con la que actúo siempre ha sido muy importante para mí a la hora de elegir un proyecto, porque sé que el actor con el que trabajas tiene el poder de hacerte mejor y también de hacerte peor. Yo me apunté primero. Sí, quería trabajar con Michelle Franco, y él estaba hablando de Nueva York y de zonas de Nueva York y estaba muy entusiasmado con los actores. Me preguntó con quién quería trabajar, seguro que Peter era mi primera opción en cuanto al proyecto. Creo que cuando se trata de una película de una sola toma, es importante que los actores puedan lanzarse la pelota de un lado a otro.

P: ¿Cómo fue trabajar con Michelle Franco?

– Le interesaba el sentido del lugar. Recuerdo que cuando hablaba de trabajar en San Francisco, quería conocer la ciudad antes de rodar allí. Así que estuvo mucho tiempo en Nueva York antes de empezar a rodar. Gran parte de mi proceso previo al rodaje consistió en llevarle por la ciudad y enseñársela. En esta película se ven distintos aspectos de Nueva York. Y luego, cuando la vemos desde el lado opuesto, y vemos lo que ves al salir por la mañana de tu casa, es una visión muy diferente de Nueva York. Eso es lo que me encanta. Soy tan neoyorquina. Me encantan las películas que tienen lugar aquí. Nueva York es un personaje de esta película. Es un personaje en todas las películas que se ruedan aquí.

P: Cuando leyó el guión por primera vez, ¿le sorprendieron las cosas que se van desvelando poco a poco?

– Tuve la experiencia de leer el guión antes de reunirme con Michelle. Había visto sus trabajos anteriores y sabía que podía llegar a contar historias bastante oscuras. Así que mientras leía el guión llegué a la escena de Saul y Sylvia en el parque, donde la mujer está provocando el caos entre todos. Cuando empecé a pasar la página, me di cuenta de que lo bonito de Michelle y de su forma de escribir es que va en contra de cualquier expectativa o cliché que te puedas encontrar. Con cada página y cada escena, me daba cuenta de que no sabía qué iba a pasar a continuación con los personajes, y eso hacía que la obra me resultara apasionante. Así que nunca me lo adelantaba. Con nuestra película, no quiere que nadie sepa nada realmente sobre ella hasta que la vea. Le gusta que la gente entre con la mente y el corazón abiertos.

“A veces, cuanto más dinero tienes en un presupuesto o más trailers tienes, todo se ralentiza. No tienes que ser tan creativo porque cualquier cosa que quieras la puedes conseguir porque el presupuesto te lo permite”.

—  Jessica Chastain, actriz estadounidense.

P: “Memory” es una forma muy diferente de ver una historia de amor.

– Sí. Y creo que una de las cosas más bonitas de esta historia de amor en particular es que hay tantas historias de amor que se unen: ahora se acurrucan, ahora se pelean o ahora se ríen. La relación y la forma en que progresa es a su propio ritmo. Hay alguien que tiene un pasado que la atormenta en el presente y un tipo que, de un momento a otro, no ve a una persona traumatizada. Sólo ve a esta mujer. Ha olvidado que ella ha sido traumatizada. Así que ni siquiera siente necesariamente. No sé por qué no puede dar un paso más, pero lo respeto. Creo que es importante que haya una gran parte sumergida del personaje sobre la que el público se pregunta, y que haya una parte visible del personaje que satisfaga muchas otras cosas y quizá incluso una gran parte del personaje con algunos lados personales que no muestra a otras personas.

P: Tengo entendido que usted se peinaba, se maquillaba y elegía el vestuario, ¿verdad

– Una vez que ves la película, entiendes que no es tan difícil peinarme en esta película. Cuando la vi por primera vez pensé: “Vaya, parezco cruda, lo cual es perfecto porque es lo que Sylvia necesita ser, pero me gusta”. Quiero decir, empecé haciendo pequeñas obras de teatro y también organizándome con el vestuario. Te peinas y te maquillas para el teatro. Nunca me pareció algo extraño.

P: ¿Le gusta trabajar en películas de bajo presupuesto?

– Hice este proyecto justo después del Oscar por ‘Tammy Faye’. A veces, cuanto más dinero tienes en un presupuesto o más trailers tienes, todo se ralentiza. No tienes que ser tan creativo porque todo lo que quieres, lo puedes conseguir porque el presupuesto te lo permite. Y cuando se trata de un presupuesto más pequeño, se siente más colaboración en cierto sentido. Parece que todo el mundo contribuye. Eso me gusta. Me presenté el primer día y era una auténtica reunión de Alcohólicos Anónimos en la que estaba con un montón de gente que tenía una reunión y yo no estaba preparado para eso. Pero me di cuenta de que trabajar así te obliga, como actor, a no ser un actor y a ser simplemente un ser humano y a estar presente como el personaje. Me encanta trabajar así.

P: Ha tenido una carrera en la que ha interpretado muchos papeles. ¿Alguna vez coinciden en su memoria? ¿Es difícil dejarlos ir?

– No soy consciente de hasta qué punto un personaje se ha apoderado de mí hasta que un observador me lo dice o hasta que quizá lo veo.

P: ¿Además de esta película, tiene su interpretación favorita de Peter?

– Me encanta ‘Shattered Glass’. También me encanta su interpretación en ‘Boys Don’t Cry’, pero no me encanta el personaje por razones obvias. Realmente cambia su energía para ayudar a la historia y por eso quería trabajar con él, porque sabía que me ayudaría a hacer esto.

100

minutos dura la película.

5 de enero

Es la fecha en la que ‘Memory’ llegó a los cines de todo el mundo.

El 13 de octubre de 1972, un avión de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado como vuelo chárter para llevar a un equipo de rugby de Montevideo a Chile, se estrelló en un glaciar en el corazón de la cordillera de los Andes. Solo 16 de sus 45 pasajeros sobrevivieron. A 4.000 metros de altura, con temperaturas de 30 grados bajo cero, sin abrigo ni comida, se vieron obligados a recurrir a la antropofagia para sobrevivir.

El escritor uruguayo Pablo Vierci concibió ‘La sociedad de la nieve’ a partir de los testimonios de los supervivientes. Los acompañó a la montaña con sus hijos y cada uno contó cómo fueron aquellos 72 días. Qué significó para ellos la muerte y cómo esa odisea marcó sus vidas.

La decisión de alimentarse de sus compañeros muertos provocó que el suceso quedara grabado a fuego en la memoria popular. Pero la voluntad de sobrevivir a toda costa se sometió a otras pruebas inhumanas. Como el alud que mató a ocho de los pasajeros que volaban en el Fairchild FH-227D acompañando al Old Christians Club, que nunca jugó su partido en Santiago de Chile.

“Cuando me planteé este relato, lo hice de una forma visceral.  Quería plasmarlo como lo sentía y trasladarlo a la cámara de la misma manera. Había momentos en los que la realidad no alcanza a expresar todo lo que contenía la historia. Por eso, muchos de los supervivientes tuvieron experiencias reveladoras cercanas a la muerte que eran de carácter casi místico”.

‘La sociedad de la nieve’ es el título del quinto largometraje de Juan Antonio Bayona, el primero que rueda en español en 16 años desde su ópera prima, ‘El orfanato’. El filme cuenta unos hechos que ya fueron llevados al cine en 1993 por Frank Marshall en ‘Viven’, basándose en un libro de Piers Paul Read escrito un año después de la tragedia. El director barcelonés, que con ‘El orfanato’ ya participó en la carrera de los Oscar en 2007, volverá a la carrera por la estatuilla con la cinta que representará a España: “Estoy muy agradecido a los compañeros de la Academia, para mí era una prueba volver a rodar en casa con mi equipo. Hacía siete años que no filmaba en España y dieciséis que no lo hacía en español”.

“Los muertos no habían encontrado el lugar que se merecían en esta historia, son tan importantes que los otros no hubieran regresado sin su ayuda”

—  Juan Antonio Bayona, director de cine español

El libro de Vierci lo descubrió mientras se documentaba para ‘Lo imposible’, otra odisea basada en hechos reales y en la voluntad humana de sobrevivir a toda costa. “Pensaba que era una historia que conocía. Pero ‘Viven’ es un libro sobre lo que pasó y ‘La sociedad de la nieve’ sobre lo que les pasó. “Quería mostrar ese punto de inflexión en el que los personajes han de experimentar cómo la vida puede cambiar de un instante a otro, en un segundo. Ahí está la idea de aprender a morir, que es un tema muy fuerte. Nadie nos enseña cómo se muere. Y de pronto te encuentras viendo en pantalla esa experiencia. A mí me interesa esa sacudida. Pero nunca desde la oscuridad. Hay algo espiritual en esta película, como si hubiera una experiencia trascendente”, cuenta el realizador.

“Me lo planteé como si se volviera a la Prehistoria, como si los personajes se volvieran a ese estadio. Y eso era muy interesante a nivel psicológico, porque no se trata de ser bueno o no. Aquí no hay héroes. Se trata de entregarse, de adaptarse y de reconfigurar todo en lo que habías creado”, agrega.

‘La sociedad de la nieve’ es una cinta coral que reparte el protagonismo entre los 16 supervivientes, aunque aparezca la voz de un narrador encarnado por uno de ellos, Numa Turcatti, encarnado por Enzo Vogrincic. “Los actores tuvieron 140 días para pasar por lo que pasaron ellos, con el lujo de contar con la ayuda de los supervivientes y las familias de los fallecidos. Me interesaba encontrar las imágenes de los momentos en los que se confundía la verdad con el relato. Cada vez me gusta más trabajar con los actores, y hay un momento en el que la interpretación desaparece y ya no sabes si lo que está pasando ante la cámara es verdad o actuación”.

Bayona contó con documentales y cien horas de entrevistas con los supervivientes y rodó durante más de cuatro meses para conseguir que el grupo de jóvenes actores desarrollara los mismos lazos de amistad y camaradería que tenían los protagonistas de la tragedia de los Andes. “Los muertos no habían encontrado el lugar que se merecían en esta historia, son tan importantes que los otros no hubieran regresado sin su ayuda”, reflexiona el director, que escapa de cualquier atisbo de morbo cuando llega el momento de comer carne humana. Al igual que ocurrió en la realidad, todo el proceso se realiza de manera discreta y respetuosa. “El psicólogo que tradujo las entrevistas de ‘Viven’, me contó que para transitar por lo que pasaron, ellos bloquearon lo que hacían. Convirtieron en rutinario lo escabroso. Y eso era difícil de plasmarlo para el público, por eso optamos por sugerir más que mostrar, porque es imposible que esas imágenes no te distraigan. Cuando cierras el libro de Vierci no te quedas con la antropofagia”.

El cineasta español ha trabajado en sagas como ‘Jurassic World: El reino caído’ junto a su admirado Steven Spielberg y dirigido episodios de ‘Penny Dreadful’ y ‘El Señor de los Anillos: Los Anillos del Poder’. “Vengo de un sistema de producción muy marcado. Necesitaba libertad, salir de un esquema rígido. Rodar probando cosas y dar tiempo a los actores. Pisar la nieve real, pasar frío y hambre, fue esencial. Las películas no funcionan por el algoritmo de una Inteligencia Artificial, que no puede replicar el alma. Llevamos muchos años viendo películas de Hollywood escritas según un patrón. Y cuando rompes ese esquema es cuando se revienta la taquilla”.

A Bayona le gusta mirar hacia delante. “Claro. No quiero echar la vista atrás y cuestionarme nada de lo que he hecho. Nunca voy a decir nunca jamás a una franquicia de Hollywood, pero ya he pasado por esa fase. Trabajé con Spielberg y rodé ‘El Señor de los Anillos’ en plena pandemia en Nueva Zelanda, cuando todo el mundo estaba encerrado” . Rodando de manera indistinta para productoras de cine y plataformas, Bayona es optimista respecto al futuro de sus adoradas salas. “Viendo los datos la gente está volviendo al cine. Las formas de consumir el cine cambian. Las plataformas han reemplazado al vídeo, permiten que una película como esta, en español, llegue a todo el mundo. ‘Un monstruo viene a verme’ fue un éxito en España, pero lo hubiera sido en todo el mundo si se hubiese visto en una plataforma. Ahora Netflix ha puesto el dinero sobre la mesa, nos ha dado libertad total y nos ha asegurado un estreno en cines. Yo la he rodado para la pantalla de cine”.

La espeluznante escena del accidente aéreo provoca silencio por su brutalidad. El avión perdió en el impacto las alas y la cola, tan solo quedó un trozo de fuselaje en el que se protegieron los supervivientes. “Si ‘Lo imposible’ transcurría en 72 horas y aquí son 72 días. Había tiempo para reflexionar sobre lo que estaba sucediendo en un lugar que no permite la vida. Los protagonistas tienen que inventarse la vida y eso me permitía colocar un espejo para preguntarnos qué es importante y qué no lo es”.

140

días tuvieron de inmersión los actores para pasar por lo que pasaron los sinvolucrados en el accidente, con la ayuda de los supervivientes y las familias de los fallecidos.

El director Cord Jefferson debuta tras las cámaras de una película con ‘American Fiction’, una mordaz sátira protagonizada por Jeffrey Wright en el papel de un académico desilusionado.

“American Fiction” es la adaptación de la novela de 2001 de Percival Everett “Erasure”, la primera película como director del veterano guionista de televisión de “Watchmen” y “Succession”. La película cuenta la historia de un autor resentido porque la industria literaria sólo se interesa por los “libros negros” que responden a los estereotipos del público blanco.

Como protagonista de este asombroso equipo de actores encontramos a Jeffrey Wright, un actor de actores que encarna plenamente cada papel, tanto en la gran pantalla como en la pequeña, con tal honestidad y dignidad, que uno no puede evitar sentirse cautivado por su trabajo.  Wright interpreta a Thelonious “Monk” Ellison, un escritor que lucha por publicar sus libros en un mundo editorial que no valora los libros que él escribe. En cambio, los libros que muestran historias estereotipadas de negros se celebran y se venden como “novelas importantes y auténticas”. Tuvimos la oportunidad de hablar con Wright en Los Ángeles.

P: ¿Qué le dio la confianza y qué le llevó a querer formar parte de este proyecto escrito y dirigido por el cineasta novel Cord Jefferson? ¿Qué le hizo decir que sí y qué le dio la confianza necesaria?

R: La confianza para partir. Cord me envió una invitación maravillosa para este proyecto. Me envió el guión y, junto con la carta, me dijo que había leído el guión, o mejor dicho, que había leído la novela y escrito el guión, y que muy pronto había oído mi voz en su cabeza como su personaje. Le pedí disculpas por ello. Porque sé lo difícil que puede ser. Y también me dijo, y no lo sé, que era muy halagador. Yo no suelo, sucede de vez en cuando, pero yo no suelo tener, ya sabes, guiones que son una especie de diseño, ya sabes, conmigo y la mente. Y cuando lo leí, la membrana entre mi vida y la vida de ese personaje era infinitesimal. Y no era realmente una cuestión de confianza. Era una especie de necesidad. Simplemente dije, sí, puedo contar esta historia. Conozco el viaje de este hombre. Particularmente su relación con la familia. La necesidad de convertirse en cuidador de la que era su cuidadora. Esa fue una experiencia muy cercana, o una que conocí probablemente demasiado íntimamente. Y creo que Cord puede hablar de eso también. Pero había una serie de solapamientos. El guión estaba tan bien afinado. La sátira, la ironía. Entendí la música y me subí a bordo.

P: ¿Se identifica con su personaje?

R: La ironía es que yo me veo como Blue Black internamente (ríe). A la manera de Nat Turner.

P: La celebración del cine negro fue en parte gracias a actores como Leslie Uggams, que interpreta a su madre en la película.

R: Bueno, se lo dije el último día, cuando terminamos de trabajar juntos, estaba en la caravana de peluquería y maquillaje, y le dije: “Tengo algo que decirte. Desde la primera vez que te vi, madre, me enamoré de ti”. Me lo guardé hasta el final del rodaje. Para no distraer su proceso de trabajo. Pero el otro día tuvimos una conversación sobre algunas de las cuestiones que se plantean en la película, algunas de las cuestiones a las que nos enfrentamos en términos de representación y similares, y la forma en que respondemos a ellas. ¿Estamos o no limitados por ellos? Y me di cuenta. Estábamos allí con Leslie Uggams. Quien es una de las que marchó en el Washington figurativo, en términos de nuestra industria. Ya sabes, volviendo a Bert Williams. Y, ya sabes, te cruzaste con Leslie Uggams. Y Leslie me dijo que su carrera realmente comenzó ganando el concurso de talentos en el Apollo cuando tenía 14 o 15 años o algo así. Por lo tanto, quiero decir, su viaje es fundamental para nuestros viajes. Ya sabes, estamos de pie sobre sus hombros. Y ella es una absolutamente hermosa, generosa colaboradora, artista. Ella estaba encantada de estar allí. Y voy a contar una historia rápida sobre el tipo de artista que es. Estábamos filmando la escena. Todos ustedes ya la han visto, supongo. En la playa. Y fue a finales de septiembre en Scituate, a unos 45 minutos al sureste de Boston. Hermosa pequeña ciudad portuaria. Pequeño pueblo de pescadores allí. De todos modos, fue a finales de otoño, o mediados de otoño. Así que no hacía calor. Hacía frío. Hacía frío. Y ella estaba allí, prácticamente descalza. Bata y todo eso, caminando. Yendo y viniendo, y yo en el agua con ella. Y el equipo está en este pequeño malecón. Y quería asegurarme de que estaba bien. Así que, Cord dice, creo que está bien. Podemos hacer otra. Podemos hacerla. Bien, vamos. Leslie, ¿estás bien? Sí. Vale, bien. Y caminando de un lado a otro. Y estaba super preocupado, uno por su salud, y también, que tenemos lo que necesitamos. Así que le dije: “Leslie, ¿Crees que podemos conseguir una más?” Ella dice: “Sí. Por supuesto. Estamos rodando una película. Como que, rueda la cámara. Hijo”. Y recuerda tus líneas. Pero, quiero decir, ella estaba tan comprometida. Tan clara. Y sólo una vieja profesional. Y sí. Mi agradecimiento a ella por ser parte de esto. Pero también, por todo lo que nos ha permitido hacer en nuestras carreras.

P: ¿Le sorprendió el premio que se llevó esta película en Toronto?

R: Supongo que todavía estamos en pleno proceso con esta película. La hicimos hace poco más de un año. Pero el proceso no está completo. El círculo no se cierra hasta que el público la recibe. Así que todavía estoy en el viaje. Pero es una de esas cosas maravillosamente extrañas que ocurren a menudo cuando trabajamos, cuando quizás estamos haciendo lo que se supone que deberíamos estar haciendo. Cuando hay tanto solapamiento entre su vida y la mía, en formas que no me importa divulgar demasiado terriblemente. Pero no sé. Creo que en términos de cómo me ha cambiado, aún está por verse.

“Cord (Jefferson) creó esta oportunidad desde el aire y desde un libro. Y tuvo la tenacidad, el ingenio y la sabiduría para hacerlo, para reconocer que esta era una historia que quería ser contada, pero también quería ser vista. Y sin él, no estaríamos aquí”

—  Jeffrey Wright, actor

P:  Gran parte de la película habla de la realidad de los creativos negros que intentan abrirse camino en la industria, especialmente de los que no quieren ser encasillados o ser encasillados ellos mismos. ¿Cree que lo que dice es real?

R: Aquí tenemos un grupo increíble de actores. No sólo los increíbles actores que protagonizan la película, sino también el tipo que interpreta a Ned en la librería. Es decir, todo el mundo, hasta el más mínimo detalle, estaba maravillosamente adaptado. Fue un círculo de colaboración fantástico el que Cord creó para nosotros.

P: Después de terminar el rodaje de “American Fiction”, ¿qué es lo que cada uno de ustedes ha aprendido sobre sí mismo como actor que llevará consigo el resto de su carrera?

R: No sé qué responder a eso. Oigo cosas así y las agradezco mucho. Supongo que me recuerda lo viejo que soy, el tiempo que llevo haciendo esto. Pero cuando me dijeron que Tracee iba a interpretar a mi hermana, cuando Erika iba a unirse como Coraline, cuando Sterling iba a unirse, cuando John, y cuando todos, Leslie Uggams y Adam. Me sorprendió, realmente, la calidad del talento que estaba llegando a bordo, Esta fue una historia muy personal. Ya sabes, volviendo a ese punto, no sé lo que la gente ve, pero aprecian y han apreciado lo que hago.

En mi caso, lo que he aprendido con el tiempo y en lo que he mejorado es que sí, puedo interpretar un guión. Pero lo que he mejorado y lo que me parece aún más crítico es encontrar colaboradores con los que trabajar que nos permitan a todos hacer nuestro trabajo lo mejor posible y disfrutarlo. Y esta experiencia no ha hecho más que reforzarlo, y no me refiero sólo a los actores, sino también al equipo. Había un sentido de comunidad que puede ser maravilloso en un plató de cine, y también puede ser increíblemente cínico y frío y extraño. En los platós de cine, la gente que no trabaja en este sector no se da cuenta de que el personal de rodaje es uno de los más trabajadores de la industria. Trabajan sin descanso. Trabajan a menudo, ya sabes, sin agradecimiento. Pero cuando se hace bien y cuando todos nos unimos, si hay un carpintero allí, un electricista allí, el teamter, que nos está llevando. Todo el mundo se une. Cinematógrafo, todos nos unimos como este microcosmos. Y cuando empezamos a hacer algo que creemos que es interesante, creemos que es nuevo, creemos que podría ser bueno, hay un nivel extra de orgullo que entra en el trabajo. Un nivel extra de cuidado por el detalle que encuentro realmente mágico y gratificante. Porque mi papel en el centro es hacer lo que hago, pero sin todos los componentes conspirando juntos, no tiene sentido. Y así, he aprendido, supongo, de esta experiencia. Y sabes, Cord creó esta oportunidad desde el aire y desde un libro. Y tuvo la tenacidad, el ingenio y la sabiduría para hacerlo, para reconocer que esta era una historia que quería ser contada, pero también quería ser vista. Y sin él, no estaríamos aquí. Es una colaboración. Sí, la obra es lo importante. Pero también, la colaboración es la cosa. Y eso es lo que me llevo de todo esto.

P: El libro se llama Erasure, y la película ‘American Fiction’ . ¿Por qué lo cambiaron?

R: Esperaba tanto que pudiéramos llamarlo ‘Fuck’. Como el libro del personaje de la película. Sin embargo, creo que Cord hizo una observación muy buena: “Alguien del departamento de marketing dijo, bueno, ¿por qué no buscas Joder la película en Google y ves lo que sale? No creo que cuando un miembro potencial de la audiencia o un miembro está buscando su película, usted quiere confundirlos de esa manera “. Así que era un punto razonable, pero pensé que era un buen título para nuestra película. American Fiction también está bien. Suena bien.

P: Su personaje es muy introvertido. ¿Hasta qué punto era importante mostrar a Monk como un ser humano y no como un robot en sus rutinas?

R: Esta sátira es una tragedia disfrazada.  Es una forma de reírnos y no lo contrario. Así que para Monk, lo que estaba claro era el nivel de introspección con el que se mueve por la vida y el nivel de aislamiento que experimenta está ligado a un tipo de vulnerabilidad.

Algunos directores son auténticos autores capaces de crear películas con una idiosincrasia muy personal. The Holdovers se está convirtiendo en la película del año, abriéndose paso en la temporada de premios y en una de las cintas más aclamadas de la filmografía de Alexander Payne.

Con un guión firmado por David Hemingson, que Payne encargó después de que el guionista le enviara un piloto hace muchos años. Las matizadas interpretaciones de Paul Giamatti, Da’Vine Joy Randolph y Dominic Sessa, que interpretan respectivamente a un profesor gruñón, a una afligida encargada de la cafetería y a un alumno malcriado al que sólo le queda estar con los demás en su estirado internado durante unas nevadas vacaciones en Nueva Inglaterra, son dignas de la generada charla en torno a ellas. La nostálgica fotografía, que evoca de cerca las películas de personajes de los años 70, la década en la que se ambienta la película, conduce el tono de la comedia picante al drama emocional.

Payne es preciso, elocuente y seguro de sí mismo: un cineasta que sabe lo que quiere y cómo conseguirlo. Lo que no significa que mucho de ‘The Holdovers’, que llega tras un periodo de 10 años en el que sólo una de sus películas llegó a estrenarse, no haya salido de la nada y le haya sorprendido. A su lado está Paul Giamatti, en el papel de profesor, con Payne esperando a que terminara ‘Billions’ ya que se moría por trabajar con él desde ‘Sideways’. Incluso bautizó al personaje con el nombre de Paul y llamó al actor para avisarle de la posibilidad.

P: Juraría que esta película se rodó en los años 70 por los tonos saturados, el imagotipo y el sonido.  ¿Es éste un aspecto que llevaba tiempo queriendo plasmar?

ALEXANDER:  No de esta manera.  Llevo toda mi carrera intentando hacer películas de los 70, o una extensión moderna de ellas.  Y por alguna razón, una vez que el guión estuvo terminado, y por supuesto lo habíamos ambientado en 1970, 71, y me estaba preparando para dirigirlo, en algún momento pensé, bueno, ¿no sería genial hacer una especie de truco de salón, hasta cierto punto?

P: Entonces, ¿hasta que no terminó el guión no hizo esa parte?

ALEXANDER: Sí, más o menos fue idea mía.  Una idea que robé.  Hacía unos doce años que había visto una película francesa un tanto oscura de un director de la época muy conocido, Marcel Pagnol.  Una película de 1935 llamada “Merlusse” que vi en un Festival de Cine.  Y me sugirió lo mismo.  Tenía la misma premisa.  No la misma historia, pero sí la misma premisa.  Y salí de la película pensando, “esa es una premisa robable”.  Así que estaba en mi lista.  Pero no había hecho nada con ella hasta hace unos cinco o seis años, cuando, por casualidad, leí un piloto de televisión, un guión para un piloto de televisión de David Hemingson, también ambientado en el mundo de los internados.  Y le llamé y le dije: “Has escrito un piloto maravilloso.  No quiero hacerlo, pero ¿considerarías escribir una historia en ese mismo mundo basada en la idea que te di?”.  Y me dijo que sí. Él había tenido la experiencia vital que yo no había tenido.

P: Usted es un actor muy ocupado, pero ¿siempre estaba esperando y deseando que Alexander volviera a llamar?

PAUL: Sí.  Sí, y, ya sabes, nos hicimos amigos después de Sideways.  Así que no es que nunca nos viéramos.  Pero tuvimos ideas para cosas que nunca fructificaron.  Hablamos brevemente de hacer una cosa de investigador privado, que todavía hago.  Intentamos hacerlo durante varios años seguidos, pero nunca fue oportuno.  Y entonces el momento parecía perfecto, porque toda esta gente estaba disponible y yo terminé “Billions”, y entonces estaba todo listo para empezar.

P: ¿Cuál fue su reacción cuando leyó el personaje?

PAUL: El personaje era fantástico.  Quiero decir, ya sabes, haría cualquier cosa que Alexander quisiera que hiciera.  Pero pensé que la historia era genial, el escenario era genial, los personajes eran geniales.  Todos los personajes eran geniales.  Y había algo tan familiar en todo esto que me entusiasmaba hacerlo.  Porque yo había ido a una escuela preparatoria.  Me aburrí allí, así que no tuve esa experiencia completa, pero crecí rodeado de mucha gente así.  Así que fue algo así como, “Ooh, esto va a ser divertido”.  Puedo tirar de este profundo pozo de recuerdos y demás, así que sí.

“Llevo toda mi carrera intentando hacer películas de los 70, o una extensión moderna de ellas”

—  Alexander Payne, director de cine

P: Es obvio que todos ustedes son aficionados al cine.  ¿Hay alguna escena en particular de alguna película que se les haya quedado grabada, que les haya ayudado a dar forma a su vida creativa?

PAUL: Diré que esta película me ha dado ganas de volver a ver “The Paper Chase”, que hacía años que no veía.   Y quiero volver a verla.  Me inspiró a hacerlo porque me encantaba cuando era niño.  Y solo quiero verla de nuevo.  En mi memoria, hay algo que resuena en esta película, pero no estoy seguro de qué, así que tengo que volver a verla.

P: ¿En qué películas se inspiró para hacer esta?

ALEXANDER:  Mi respuesta habitual es no te ofendas, ya me lo han preguntado antes.  No, no me ofendo.  No pasa nada.  Y mi respuesta habitual ha sido “todas y ninguna”.  Cuando estaba preparando la película, en Boston, saqué algunas copias para enseñárselas al director de fotografía, al diseñador de producción, al diseñador de vestuario y a Dominic, que nunca había visto muchas de estas películas.  Vimos “El graduado”, “El casero”, “Harold y Maude”, “El último detalle”, “Luna de papel”.  Creo que pudimos haber visto “Klute”.   Sólo para que tuviera una idea del tipo de película en la que iba a estar.  Y luego, para que mis colaboradores detrás de la cámara y yo pudiéramos, sin intentar imitar a ninguno de ellos, recordarnos el mundo en el que habríamos estado chapoteando si hubiéramos estado trabajando entonces.

P: He oído que no había decorados y que todo era orgánico.  ¿Es eso cierto?  Y si es así, ¿cómo te ayuda eso a mantenerte en el personaje?”.

ALEXANDER:  La respuesta es sí. Pícaro.  Todo era una localización, una localización, una localización. Ni siquiera un baño o un armario, que a menudo tienes que construir para una película porque son demasiado pequeños para que entre un equipo.  Pero no, todo era una localización real, que es como me gusta.

PAUL: Quiero decir, hace toda la diferencia del mundo estar en un lugar real, en vez de… Quiero decir, puede haber sets increíbles en los que puedes estar, pero nada es mejor que el lugar real.  Ya sabes, como esa pista de bolos y cosas así, que es como 1962 en esa pista de bolos y, ya sabes, pero entonces tenías un diseño de producción increíble.  Esa habitación mía era tan evocadora y nunca ves nada de lo que hay allí, pero te haces una idea.  El lugar donde rodamos, ese viejo convento abandonado, marca una gran diferencia estar en el lugar real donde tuvo lugar.  Lo que más me gustó es que cada vez que ves nevar en la película, está nevando de verdad.

P: La película logra un equilibrio perfecto entre la emoción y el sentimentalismo.   ¿Cómo se aborda esa cuestión?

ALEXANDER:  Uno quiere manipular la película con tanta pericia que no parezca manipulada. Y, no sé.   Aprecio que pienses que la película puede haber logrado efectos sentimentales sin sentimentalismo.  Efectos emocionales, digamos.  No sé.  Es difícil articularlo. Es cuestión de gustos. Puede ayudar que esos efectos emocionales se sitúen dentro de una comedia, decía Chéjov en aquella famosa carta a un joven escritor: -Tu historia es demasiado sentimental.  Si quieres tener efectos emocionales, colócalos sobre un fondo frío para que destaquen en relieve-.  Creo que es un buen consejo.

“Intentamos hacerlo durante varios años seguidos, pero nunca fue oportuno. Y entonces el momento parecía perfecto, porque toda esta gente estaba disponible”

—  Paul Giomatti, actor

P: ¿Le pareció un personaje divertido de interpretar?  Él dice lo que quiere.

PAUL: La verdad es que me pareció muy divertido interpretarle. Porque creo que siente un placer delicioso cuando se le ocurren los insultos más elaborados.  Como si fuera una especie de canción gratis para él que pudiera insultar a alguien de una manera tan elaborada.  Ya sabes, está satisfecho con su propia inteligencia y jugando con su propia inteligencia.  Así que fue muy divertido.  Era un personaje divertido.  Me gustó el personaje. Hasta el punto de que puede desplegarse y adaptarse en el momento adecuado.

P:  ¿Esconde películas de los años setenta debajo de la cama?

ALEXANDER:  No. Duermo en el suelo. Bueno, David Hemingson y yo, antes de que empezara a escribir el guión, decidimos que 1970, 71 era el año en el que queríamos ambientarla.  Creo que le dio, como guionista, algunas herramientas, ya sabes, la guerra de Vietnam específicamente para subir las apuestas para los personajes. Sabíamos que tenía que ser en el pasado de todos modos, porque no hay más internados de un solo sexo. Como si, ya sabes, el líder se había utilizado mucho.  Más importante que eso, creo, es que la película es toda en mono. Como eran las películas entonces.  Y también que le pusimos micrófono.  Tienen que llevar cinturón y tirantes.  Así que te cablean y te hacen sonar. Y yo dije, nada de cables a menos que sea absolutamente necesario.  Porque luego en post, es como si todos los pisos se inclinaran hacia los lóbulos.  Y me gusta escuchar el sonido de la habitación. Y así tuvimos micrófonos de la vieja escuela y boomed tanto como sea posible.  Sólo cuando había una toma, por ejemplo, desde el otro lado de la calle. Como caminar por la calle en Boston o algo así. Ahí es cuando usamos cables.  Pero aparte de eso, toda la música, aunque tal vez grabada en estéreo, se interpretaba en mono en la película. Kurosawa solía decir que una película puede ser cualquier cosa, pero en general, una película debe ser entretenida y fácil de entender.

‘The Boys in The Boat’ será el gran regreso de George Clooney como director tras el estreno en 2021 de “Tender Bar”, protagonizada por Ben Affleck. Retrata a un equipo deportivo dispuesto a vivir una historia de superación, todo ello con una impecable puesta en escena y con Joel Edgerton (Warrior) y Callum Turner (Guerra y paz) como protagonistas. Refleja muy bien la época en la que se desarrollan los hechos. Durante la Gran Depresión, un gran número de familias en Estados Unidos vivían endeudadas y prácticamente en la indigencia, sin mucho a lo que aferrarse. De hecho, fue esto lo que animó a los miembros del equipo de remo a trabajar por un objetivo común. Porque esto les daba la posibilidad de recibir una beca, tener un lugar donde dormir y algo de comida en el plato. El principal problema era que la mayoría de ellos eran deportistas inexpertos y esto les llevó a convertirse en el hazmerreír del país, que al final tuvo que callarse la boca y ser testigo de un hecho sin precedentes. Por otra parte, y al mismo tiempo, el partido nazi comenzó a hacerse cada vez más popular en Europa, protagonizando una de las épocas más oscuras y siniestras de nuestra historia.

El largometraje está en sintonía con la filmografía de George Clooney que, como director, ha explorado diferentes épocas en sus películas como ‘Buenas noches, y buena suerte’ (2005), que está ambientada en 1953 y cuenta cómo llegó el fin de lo conocido; ‘The Monuments Men’ (2014), ambientada en la Segunda Guerra Mundial o ‘She’s the Game’ (2008), otra película relacionada con el mundo del deporte.

Escrita por Mark L. Smith a partir del libro del escritor Daniel James Brown, ‘The Boys in the Boat’ está protagonizada por Joel Edgerton, Callum Turner, Peter Guinness, Sam Strike, Thomas Elms , Jack Mulhern, Luke Slattery y Chris Diamantopoulos. Clooney se enfrentó a varios retos durante la dirección de este drama histórico, entre ellos un brote de COVID-19 en el plató. “Estaba muy enfermo”, dijo Clooney, de 62 años. “Era la primera vez que me contagiaba de COVID y estaba tosiendo mientras dirigía la película desde mi iPad en casa. Grant estaba sentado en la cámara y ellos sostenían el iPad. Sólo tuvimos que hacerlo durante una semana”. En Los Ángeles, tuvimos la oportunidad de hablar con George Clooney sobre su nueva película.

P: Sabe, he visto muchas películas de deportes, de todo tipo. El remo no es tan popular entre las películas deportivas. Es un poco difícil pensar en películas que giren en torno a esto.

R: No ha habido muchas. Eso está claro. Creo que no es necesario. En cierto modo, es un poco como la F1, en la que no puedes ver la velocidad desde muy lejos. Tienes que estar muy cerca. Y así, no parece tan emocionante cuando lo estás viendo desde lejos. Así que tuvimos que idear una matemática para que el remo fuera enérgico y emocionante. Eso es todo.

P: Es muy importante. No se trata sólo de remar, obviamente. No se trata de eso. Se trata de estos chicos, de este equipo de escoria. Son pobres. Vienen de la Depresión. Básicamente están haciendo esto para permanecer en la universidad.

R: Sí, es una historia de la época de la Depresión, y las hemos visto muchas veces. La verdad es que Washington era un estado muy nuevo, era una parte del mundo tan nueva que la idea de que el remo estaba siquiera en el mapa en comparación con este tipo de escuelas heredadas. Y así, la parte divertida fue que estos jóvenes, por necesidad, por hambre, por no tener nada más, también, eran leñadores. Se reunieron y, ya sabes, es algo así como Los Beatles, ¿sabes? Juntaste a un grupo de hombres que realmente podrían ser lo suficientemente buenos para ganar los Juegos Olímpicos, Es como conseguir, ya sabes, cuando tu tercer mejor compositor es George Harrison, Es una especie de grupo mágico. Y eso es más o menos lo que pasó con estos tipos, que acabaron teniendo a estos hombres increíbles que trabajaban como un equipo increíble.

P: Te gusta adaptar libros. Quiero decir, y trabajar en material como ese: Tender Bar, otras cosas que has hecho recientemente como director. ¿De qué se trata?

R: No lo sé. Siempre estamos buscando buenas historias. Creo que la primera que adaptamos juntos fue “Los idus de marzo”, de una obra llamada Farragut North. Creo que es divertido ver cómo han escrito el libro o la obra. Siempre es interesante encontrar la manera de convertirlo en una película, porque es muy diferente contar historias.

P: Ha reunido a un gran reparto

R: Bueno, hicimos lo mejor que pudimos con lo que teníamos. Aunque también tengo que decir algo. Joel es un actor con cojones, ¿verdad? Y hay que tener mucho valor para no tratar de escabullirse y mostrar demasiado, mostrar que realmente me importa. Y te acuerdas de lo que hizo Danny DeVito en Taxi. Interpretó a un idiota. Y nunca hizo trampas. Nunca de repente se volvió amable. Y no es que hayas interpretado a un idiota, pero ya sabes, nunca nos diste la idea, por un largo período de tiempo de todos modos. No estabas siempre diciendo, no te preocupes, realmente soy un buen tipo. Nos dejaste entrar poco a poco. Y ya sabes, se necesita mucho valor como actor. Recuerdo que el estudio llamaba después de los ensayos y decían: “¿Por qué está tan enojado? ¿Por qué está tan gruñón?” Y yo decía: “Relájate”. Ya llegaremos a eso.

P: ¿Construyeron ustedes los barcos?

R: Tuvimos que construir todos los barcos. Los barcos antiguos son de madera y pesan muchísimo. Estos barcos se fabricaron con fibra de vidrio para que parecieran de madera. Nuestro barco es de madera. Pero quiero decir, tuvimos que hacer unos 25 barcos. Por lo tanto, no todos eran de madera. Pero su barco era de madera.

“Juntaste a un grupo de hombres que realmente podrían ser lo suficientemente buenos para ganar los Juegos Olímpicos, Es como conseguir, ya sabes, cuando tu tercer mejor compositor es George Harrison, Es una especie de grupo mágico. Y eso es más o menos lo que pasó con estos tipos, que acabaron teniendo a estos hombres increíbles que trabajaban como un equipo increíble”.

—  George Clooney, director de “The boys in The Boat”

P: Se dice que un director nunca le pedirá a un actor que haga lo que él mismo no haría.

R: ¿En serio? Bueno, en primer lugar, eso es una estupidez, ¿un director no le pediría a un actor que hiciera algo que él no haría? Eso es todo lo que hacen los directores. Sí, vete a saltar al barro. Ve a saltar del edificio. Son como, sí, sí, sí, ve a hacer eso. Escucha, sabes, yo también crecí en el deporte. Me encantaba ser un atleta. Pero quiero decir, me paré junto a estos chicos, los remeros olímpicos reales y tomaron una foto.  La foto, literalmente, estoy como, mirando a estas montañas. Es simplemente un nivel diferente de atletismo. Estos chicos hicieron un trabajo increíble porque, para la gente que sabe de remo, llegaron a 46 brazadas, que es lo que el equipo olímpico estaba haciendo. No lo hicieron tanto tiempo como el equipo olímpico, pero no importa. Además, después engordaron 18 kilos.

P: ¿Ha hablado con alguna de las personas reales en las que se basa la película?

R: Nos hemos reunido con algunos familiares y a todos les gustó, porque una de las cosas que nos llamó la atención cuando empezamos a hacer la película fue el estoicismo y lo silenciosas que eran estas cosas, y todas las familias con las que nos reunimos dijeron que era un elemento que apreciaban mucho.

P: ¿Cómo se decidió por el reparto, y especialmente por Callum? ¿Hubo un gran proceso al respecto?

R: Bueno, por suerte, podríamos hacer muchas bromas, pero la verdad es que conseguimos a todo el mundo, las primeras personas que queríamos que trabajaran con nosotros. Joel Edgerton y yo llevábamos mucho tiempo intentando trabajar juntos. Intentamos hacer juntos ‘Comandante Yankee’ y llevamos mucho tiempo buscando algo en lo que trabajar juntos. Hadley vino y leyó y en el momento en que leyó, lo enviamos a los estudios y dijimos esta es la persona adecuada. Y entonces Callum fue el actor que pensamos que sería un perfecto Joe Rantz. Literalmente les dijimos, en la grabación, “¿Eres atlético?” Y lo dijimos como, “Mira, esto es muy importante, porque si no lo eres, tendremos que despedirte”. Porque no vamos a estar haciendo reemplazos de cabezas y cosas por el estilo, así que esto es todo. Por suerte, todos eran increíblemente atléticos.

P: Parece que parte de la fotografía es un homenaje a las tomas de Leni Riefenstahl en el documental Olympia. ¿Se basó en su trabajo y en el acontecimiento real para planificar esas tomas u otras de la película, así como en otras películas de remo, a la hora de pensar en cómo captar este deporte?

R: Bueno, sí. Ya sabe, nos gusta utilizar nazis siempre que podemos para filmar (risas). Hay una toma en la que se inclinan hacia el encuadre que ella hizo en la barca. Sí, ciertamente es un homenaje, si esa es la palabra que queremos usar. Creo que robar es una palabra mejor. Lo que aprendimos de otras películas de remo en general, y no es un ataque a ellos. Ha pasado mucho tiempo y no ha habido muchas, estas son las cosas que no hay que hacer. Porque es duro. Los remos miden 4 metros de largo. Y luego los barcos son de 40 pies de largo. Por lo tanto, no puedes acercarte a los barcos con la cámara. Y no puedes ponerte al lado o delante de los botes con tu cámara, porque volcarías el bote. Así que tuvimos que idear un diseño para acercarnos lo suficiente para que fuera emocionante. Tienes que tener algo de acción en primer plano en la parte delantera. Tienes que estar en una lente súper larga. Es decir, estamos en un brazo de 80 pies en el barco con una lente de trescientos milímetros, lente de doscientos milímetros, abajo, mojándose, tratando de mantener foco mientras estás haciendo eso. Por lo tanto, había una tonelada de, como, matemáticas para tratar de encontrar una manera de hacer eso. La tecnología no existía entonces. Pero estaba la idea de ir, está bien, tenemos que acercarnos, y tenemos que entrar en el barco de alguna manera. Y eso fue un reto, ya sabes. Y nuestro director de fotografía, Martin Ruhe, es uno de los mejores del mundo.

P: ¿Cómo se integró la preparación física de los actores como remeros en su proceso de preproducción y producción?

R: Fueron dos meses de entrenamiento. Pero luego, mientras rodábamos, terminábamos a las tres o tres y media y volvían a salir a remar y a entrenar más. Íbamos y disfrutábamos como de un pinot. Lo programamos de modo que rodáramos primero el entrenamiento, para que ellos pudieran seguir aprendiendo. Y luego filmamos las carreras en orden. Así, cuando llegamos a Berlín, ya estaban en la cima de su carrera.

P: ¿Esta película tiene muchos elementos de las películas de la Época Dorada, como el beso en el tren?

R: Hablamos de esto, de ese beso en el tren. “Esto es un beso de película de la vieja escuela”. Ellos iban a salir y él iba a bajar del tren y se iba a armar un buen lío.

Y yo dije: “Entonces, esto también tiene que ser como un beso de película de 1940″. Es decir, besas de manera diferente a hoy. Ya sabes, un poco de aplastar sus caras.  Porque no puedes tener, como, la lengua fuera de la boca.

P: ¿Qué enseña esta película a los jóvenes de hoy sobre el valor de las agallas y la determinación para superar obstáculos y decepciones?

R: Creo que lo que dice es un poco la verdad. Hemos proyectado esta película y la gente grita, se levanta de las sillas, aplaude y todo eso. Y lo que se siente es que este es un momento muy polarizado en nuestro país. Probablemente, desde la Guerra Civil, no ha habido este tipo de ira. Se siente como si fuera todo el tiempo. Eso es también porque lo vemos en la televisión y hemos perdido la perspectiva. Esto sigue siendo la periferia. La mayoría de la gente de nuestro país y de todo el mundo quiere llevarse bien. La mayoría de la gente quiere vivir una vida normal y criar a sus hijos y que la vida vaya bien. Y también quieren eso para sus vecinos. Por eso nos pareció que esta película, con motivo de la Navidad, también hablaba de la idea de que todos estamos juntos en esto. Y probablemente la única forma de salir intactos sea apoyándonos unos a otros. Cuanto mejor sean los demás, mejor serás tú. Así que me gustó ese tema para esta película.

25

de diciembre es el estreno de la película en Estados Unidos.